motivos para levantarse

Zodiac

2012-01-28T20:38:00.003+01:00

Con el estreno de Los hombres que no amaban a las mujeres me ha vuelto a entrar el gusanillo de David Fincher (aunque en realidad no me se va nunca, porque adoro a este director), por eso aprovecho para hablar de una película que llevo tiempo con ganas de comentar.

Con Fincher siempre me pasa igual; la primera vez que veo una película suya me deja un poco frío, y con el paso de los días, madurándola en mi mente, me termina pareciendo una obra maestra. Nunca falla.

Zodiac me pareció de primera hora una película notable, aunque por suerte, y a diferencia de muchos espectadores, no fui con la idea de encontrar algo similar a Se7en, porque de haber sido así seguro que salgo del cine pegándome cabezazos.

Fue un documental sobre los efectos especiales (de los que luego hablaré) y un par de revisionados los que me hicieron elevar a este filme a la categoría de clásico moderno, y un ejemplo de buen cine en todos los sentidos.

Pero antes de seguir con la reseña, comentaré algo que escuché hace unos meses en la radio, y que me crispó los nervios. Atended.

Un tipo llamado Guillermo Díaz Gómez, que al parecer presenta una sección de cine dentro de un programa radiofónico, hizo una lista de películas que, según él, la gente dice que le gustan sólo para quedar bien. De hecho, creo que incluso dijo que si alguna de esas personas afirmara gustarle una de las películas de su lista negra, miente. Manda cojones; esto es extremismo y lo demás son tonterías.

No entiendo cómo es posible que a un individuo como este le permitan hablar en público, cuando, o es un perfecto imbécil, o se pasa de listo. Sea como sea, me dieron ganas de darle unos buenos azotes y enseñarle a respetar los gustos ajenos.

Una de las películas que, según este tipo, es imposible que le guste a nadie, es Zodiac, pero también incluía 2001: una odisea en el espacio, toda la filmografía de David Lynch y alguna película más que no recuerdo.

Vuelvo a decir que no sé si este hombre es así de gilipollas o es que se hizo el gracioso, pero en cualquier caso me parece un cateto.

Y ahora pasemos al tema que nos interesa.

Zodiac se basa en el caso real del asesino del Zodiaco, quien asesinó a cinco personas que se sepa, entre 1968 y 1969, y cuya identidad sigue sin conocerse a ciencia cierta a día de hoy.
Además de esas cinco víctimas seguras, hubo otros asesinatos que apuntaban hacia el asesino del zodiaco, aunque esto no se terminó de demostrar.
Fincher llevó a la pantalla este extraño caso lleno de cabos sueltos y falsos sospechosos, pero hizo especial hincapié en retratar la obsesión de un dibujante al que se le metió en la cabeza hacer todo lo posible por averiguar la identidad del asesino, en colaboración con la policía.

Todas las víctimas del asesino mueren al principio de la película, lo que lleva al resto del metraje a dedicarse enteramente a la investigación policial y periodística. Esto hace que haya bajones de ritmo, los cuales van en consonancia con el estado de la investigación, que en más de una ocasión permanece totalmente estancado.

No nos equivoquemos; no digo que estos bajones de ritmo sean negativos, ya que la historia sigue manteniendo todo su interés incluso cuando los personajes no saben por dónde meter mano al caso, y esto es muy difícil, ya que en cualquier otro caso la película se habría convertido en un tostón, pero Fincher consigue evitarlo.

Pero aunque sea una película muy entretenida, resulta densa y compleja, llena de detalles y nombres, y si no elegimos un buen momento para verla es posible que se nos atragante un poco, especialmente si es la primera vez que la vemos.

Otro de los elementos de esta película que me cautivó fueron sus efectos especiales digitales, que bajo mi punto de vista, son perfectos. ¿Por qué? porque pasan totalmente desapercibidos, pero aún así mejoran el conjunto, ayudando a conseguir una atmósfera inquietante y añeja.

Como habitualmente pasa con el cine de David Fincher, todo está cuidado hasta el más mínimo detalle, desde la ambientación retro, los planos (impresionante el plano aéreo sobre el taxi), las interpretaciones y la banda sonora, que merece una mención especial, y es que funciona a la perfección como recopilatorio de música setentera, pudiendo encontrar en ella temas de Santana, The animals, Donovan, Four tops y muchos otros artistas que nos ayudan a sumergirnos más en esos oscuros años setenta que refleja David Fincher.

Un gran final y un reparto de lujo, repleto de grandes actores como Robert Downey Jr., Jacke Gyllenhaal, Elias Koteas, Brian Cox o Mark Ruffalo, ponen la guinda final a esta obra maestra que no me queda más remedio que recomendar a todo aquel que no lo haya visto aún.

¡ah! Por cierto, una cosa que no tiene nada que ver con el tema; estoy terminando de escribir una pequeña antología de relatos de terror, pero no se me ocurre un buen nombre. Admito sugerencias.

El carnaval de las almas

2012-01-25T20:10:00.000+01:00

Es difícil hablar de esta película sin nombrar títulos como El sexto sentido o Los otros, pero voy a intentarlo, principalmente porque sacar el tema implicaría hacer spoilers bastante gordos. Aunque a estas alturas, el que no haya visto El sexto sentido es porque no le interesa.

Resulta curioso y lógico cómo una persona que no ha visto demasiado cine se impresiona fácilmente con casi cualquier cosa que vea, y al aumentar el número y la variedad de películas vistas, esas sorpresas que se lleva el espectador novato van desapareciendo.

Esto, en parte, es positivo, pues significa que nos estamos cultivando en el tema, pero la parte negativa es que cada vez nos volvemos más exigentes y, en ocasiones, nos olvidamos de disfrutar de la película en cuestión. Esto último hay que evitarlo a toda costa.

Hasta que vi El carnaval de las almas, El sexto sentido era para mí una de las películas de fantasmas más redondas y sorprendentes que había visto nunca, pero eso cambió después. Y es que, aunque me siga pareciendo una buena película, buena parte de su frescura y originalidad se fue al cuerno.

No nos engañemos, El sexto sentido es, o bien un remake encubierto de El carnaval de las almas, o bien fruto de una sospechosa casualidad.

Para quien no conozca esta fantástica película, diré que se trata de un filme tremendamente perturbador y onírico, que se mueve a medio camino entre el suspense y el terror, aunque predomina lo segundo.

Resulta evidente que está hecho con cuatro duros, y que los efectos especiales son prácticamente nulos, pero el conjunto resulta igualmente efectivo, porque es una historia que no necesita de grandes alardes para transmitir lo que transmite. Es más, si la hubiesen recargado en exceso habría perdido parte de ese halo fantasmal y extraño.

Resumiendo, una película de visionado obligado, nos guste el género o no.

Watchmen

2012-01-19T20:31:00.003+01:00

Watchmen es el ejemplo perfecto de que una película de superhéroes puede ser tan seria como un drama de época o la película de guerra más cruel y sangrienta. Pero cuando esto pasa, tenemos la garantía casi segura de que dicha película será un fracaso en taquilla.

Porque no nos engañemos, aunque el público ponga a parir los típicos productos comerciales mil veces vistos y llenos de tópicos, cuando estrenan algo que se sale de lo normal no va a verlo ni Dios. ¿En qué quedamos entonces? En fin, así es el público estándar.

Como todos sabremos a estas alturas, Watchmen se basa en la novela gráfica homónima de Alan Moore. Y bueno, algunas personas (fanboys odiosos en su mayoría) consideran que Watchmen es una adaptación mala, pero hacedme caso, esta gente son fans puritanos/insoportables/pedantes que viven por y para sacar defectos a las adaptaciones cinematográficas de sus amadísimos cómics.

El elegido para llevar a cabo la difícil adaptación fue Zack Snyder, quien se permite el lujo de tomarse algunas licencias que, lejos de arruinar la historia, la mejoran y la hacen más digerible. Me refiero al final, claro, pero esa es mi opinión.

Como he dicho antes, no estamos ante una película de superhéroes al uso, ya que funciona más como un film político que, en vez de adentrarse en las andanzas aventureras de sus protagonistas, se centra especialmente en la vida privada de ellos desde un punto de vista más o menos realista, tocando temas como la guerra, la tensión política y los trapos sucios de algunos personajes.

Snyder dotó a la película de mucha más acción (y sangre) que el cómic original (otra de las licencias tomadas), pero esto no anula el factor crítico y la tensión apocalíptica que se respira de principio a fin, algo fundamental para que el verdadero espíritu pesimista, casi profético, de Watchmen quedara intacto.

Otra cosa que me llamó la atención desde la primera vez que leí el cómic fue la equivalencia entre los protagonistas principales de Watchmen con los superhéroes más famosos del mundo de la viñeta, siendo algunos de ellos claros homenajes a Batman, Superman o El castigador.

Visualmente es, como siempre ocurre con las películas de Zack Snyder, espectacular y recargada, llamativa y colorida.

Parte de este barroquismo visual se debe al uso del croma, como ya pasó en 300, pero no debemos ignorar el magnífico trabajo artesanal a la hora de confeccionar los trajes y trasladar los diseños más infantiles del cómic a la pantalla sin perder la esencia.

Otro apartado al que siempre le doy mucha importancia es la banda sonora, y en esta película se lucen. No me refiero a la música orquestada, que tampoco está mal, sino a la lista de canciones que van sonando a lo largo del metraje (canciones de Janis Joplin, Bob Dylan, Simon and Garfunkel, Kc and the sunshine Band o Jimmy Hendrix, entre otros), y que casan perfectamente con las secuencias que se van sucediendo.
Y hablando de secuencias y música, es imposible no mencionar los magníficos y nostálgicos títulos de crédito que abren la película.

Cine de medianoche: Phantasm

2012-01-16T20:25:00.001+01:00

Phantasm es, posiblemente, una de las películas de terror más desconcertantes y extrañas que he tenido el placer de ver, alejándose de tópicos y planteando una trama ciertamente siniestra, con una ambientación que pone los pelos de punta.

Dos hermanos descubren que en la morgue del cementerio de su pueblo está ocurriendo algo raro, y según parece, los extraños acontecimientos están relacionados con un misterioso hombre alto trajeado. Esta es la premisa con la que Don Coscarelli, el director, desarrolla una película que parece combinar ciencia ficción, terror y, si nos ponemos tiquismiquis, incluso llega a parecer una buddy movie terrorífica.

Salta a la vista que Phantasm no es una superproducción y que sus medios son bastante escasos, es obvio que Coscarelli quería sacar adelante esta película, como tantos otros cineastas con ganas de mostrar al mundo su obra pese a las adversidades (osea, la falta de dinero).

Pese a todo, Phantasm cuenta con unos efectos especiales más que dignos y una puesta en escena perturbadora y onírica, que rezuma aires pesadillescos y opresivos. Lo que quiero decir es que los fallos técnicos y argumentales que esta película puedan tener son compensados con una ambientación sobresaliente y desconcertante.

Quizá el ambiente onírico no sea casualidad, pues el germen de este filme tiene su origen en un sueño (pesadilla, diría yo) del director.

Coscarelli incluso se permite el lujo de dejar numerosos cabos sueltos. Y se agradece, pues no siempre gusta que todo sea explicado al detalle como si los espectadores fuesen tontos.

La película cuenta incluso con su propia iconografía, quizá no tan conocida como el famoso guante de Freddy Krueger o la máscara de hockey de Jason Voorhees, pero igual de mítica para los aficionados al género. El misterioso hombre alto (interpretado por Angus Scrimm), sus esbirros enanos, y las mortíferas esferas voladoras asesinas, que ya han pasado a formar parte de la historia del cine de terror.

En resumen, una película de terror atípica, hecha con cariño y que merece la pena ver sí o sí.

Existen tres secuelas. No he visto ningua, pero pronto me pondré con ello.

El estrangulador de Boston

2012-01-13T19:59:00.000+01:00

Cuando me puse a ver esta película por primera vez pensé que seguiría la línea de El fotógrafo del pánico, pero nada más lejos de la verdad. De hecho, bajo mi punto de vista, El estrangulador de Boston le da mil vueltas a El fotógrafo del pánico.

La película se basa en el caso real del asesino en serie Albert DeSalvo, que asesinó a trece mujeres entre 1962 y 1964, sembrando el terror y la intranquilidad en Boston.

Lo primero que llama la atención de este thriller policíaco es su estética semidocumental, el uso casi continuo de la pantalla partida y algún que otro recurso visual bastante adelantado a su tiempo.

La película se divide en dos partes bien diferencias. La primera de ellas se centra en los asesinatos cometidos por el estrangulador, a quien no le vemos el rostro en ningún momento. Esta primera mitad es puro thriller, dando preferencia absoluta a la investigación policial y a los asesinatos.

La segunda mitad parece otra película completamente distinta. Por primera vez vemos el rostro del asesino, y descubrimos que, como de costumbre, se trata de un hombre normal y corriente. Pero no sólo eso, sino que la animadversión y el desprecio que hemos podido sentir por el asesino en la primera mitad del filme, se sustituye ahora por lástima y compasión.

Esta segunda mitad se centra en el análisis psicológico del asesino y el trabajo policial, que intenta esclarecer si DeSalvo es realmente consciente de los actos violentos que ha cometido.

Como he dicho antes, la utilización de la pantalla partida es casi continua durante todo el metraje, pero resulta admirable el magnífico uso que se le da. No sólo sirve para mostrar más información de forma simultánea al espectador, sino también para remarcar la sensación de paranoia colectiva que se vive en Boston por el temor de ser la siguiente víctima del estrangulador.

Gran final el de la película, por cierto. Y dos interpretaciones de lujo; en primer lugar tenemos a Tony Curtis dando vida al estrangulador, de forma magistral y ofreciendo una interpretación totalmente creíble y aterradora.

Luego está Henry Fonda, que interpreta al detective de policía que sigue los pasos del asesino, y aunque Fonda es un gran actor, Tony Curtis lo eclipsa por completo en El estrangulador de Boston.

Los violentos de Kelly

2012-01-11T19:51:00.003+01:00

Siempre he pensado que existen dos tipos de cine bélico; el protagonizado por soldados mega patriotas que aman a su país como si no hubiese un mañana, y luego están esas otras películas de guerra cuyos protagonistas son soldados sinvergüenzas y macarras que luchan por y para su propio interés, importándoles el sentimiento patriota dos cojones. Personalmente, me quedo con estos últimos.

Los violentos de Kelly se encuentra en la misma línea de Tres reyes o Malditos Bastardos, y cuenta las aventuras de un grupo de soldados americanos que tratan de sobrevivir en el campo de batalla mientras tratan de cruzar las líneas enemigas en busca de un sustancioso botín de lingotes de oro.

Además de las numerosas escenas de acción y el ritmo que tiene esta película, repleta de humor y sátira, Los violentos de Kelly no se molesta en disimular sus ideales anti belicistas, ridiculizando ciertos aspectos del ejército y mostrándonos a unos soldados desganados y pillos, a quienes su país les importa bien poco, pero sacar tajada de la guerra se convierte para ellos en algo prioritario.

En esta película no hay héroes, sólo supervivientes que buscan salvar el culo y satisfacer sus intereses propios.

Al igual que la genial Aquel maldito tren blindado, Los violentos de Kelly no se toma en serio a sí misma, dejando de lado todo atisbo de verosimilitud y dando más relevancia al entretenimiento gamberro, lleno de tiroteos y cañonazos. De hecho, me atrevería a decir que, tanto esta película como el clásico de Enzo. G. Castellari (director de Aquel maldito tren blindado), se asemejan más al western que al cine bélico, pero cambiando los caballos por jeeps y los revólveres por metralletas.

Y hablando de western, en una de las escenas de Los violentos de Kelly se hace un fantástico homenaje a los spaguetti-western y a la característica música de Ennio Morricone.

Otro detalle que llama la atención de esta película son los varios anacronismos que podemos ver a lo largo del metraje, empezando por las canciones burning bridges y All for the love of sunshine, de The Mike Curb congretation y Hank Willimans Jr. respectivamente, y terminando por los secuaces del Sargento Oddball, hippies en toda regla que parecen sacados de mediados de los años 60.

La música compuesta por Lalo Schifrin también merece ser mencionada, especialmente el tema llamado Tiger Tank, usado por Quentin Tarantino en su Malditos Bastardos.

Si a lo que he dicho anteriormente le sumamos un reparto de lujo encabezado por Clint Eastwood, Telly Savalas, Harry Dean Stanton y un divertidísimo y sinvergüenza Donald Sutherland, queda claro que Los violentos de Kelly es simplemente imprescindible.

Drive

2012-01-04T19:54:00.000+01:00

Raro es el último estreno del que hablo en mí blog, y es que ha habido pocas películas en este recién terminado año 2011 que hayan valido la pena de verdad, o que al menos me hayan hecho sentir algo. La gran mayoría me ha dejado frío, lo admito, pero Drive sí que ha conseguido entusiasmarme.

La historia de Drive se centra principalmente en el personaje interpretado genialmente por Ryan Gosling, un tipo que resulta tierno y encantador, además de tremendamente misterioso.

Lo único que sabemos a ciencia cierta sobre este personaje es que es un as al volante, porque todo lo demás está rodeado de misterio debido a que no se nos cuenta nada sobre su pasado, ni siquiera llegamos a saber su nombre.

Sin embargo, tampoco hace falta ser muy listo para deducir a qué se dedicó este tipo en su pasado, ya que a lo largo de la película le vemos defenderse de forma letal en varias ocasiones, como un verdadero profesional.

Un antihéroe puro y duro como hacía tiempo que no se veía en el cine, lleno de características y detalles constantes como el palillo en la boca, su parquedad en palabras o esa chaqueta con el escorpión en la espalda (diseñada con ayuda del propio Gosling, por cierto) que le proporcionan un carisma envidiable.

El director, Nicolas Winding Refn, impregna todo el filme de un aire retro, a medio camino entre el cine duro y seco de los 70, y el colorido pop de los 80, apoyándose en un guión contundente y sencillo, perfectamente atado de principio a fin. Este guión se basa en la novela homónima de James Sallis, que, al contrario de lo que suele ocurrir, resulta muy inferior a la película resultante.

Uno de esos guiones imposibles de clasificar en un único género, porque aquí tenemos desde cine negro, suspense, romance y acción, hasta drama y algunos sutiles detalles que parecen sacados de una película de terror.

La banda sonora es otro de los elementos que dan personalidad y fuerza a Drive, compuesta por temas de sonidos electrónicos compuestos por Cliff Martínez, y canciones de corte ochentero de la mano de grupos como College o Kavinsky, que sumergen al espectador en el ambiente hipnótico de la película.

Otro de los aspectos que han dado mucho que hablar tiene que ver con la violencia presente a lo largo de la película, dosificada en pequeñas pero impactantes secuencias que contrastan con la poética belleza de la primera mitad, centrada en la historia de amor entre el protagonista y su vecina.

Drive también ha sido acusada de resultar excesivamente lenta, pero no estoy para nada de acuerdo. Es cierto que su ritmo es pausado y nada frenético, pero esto me parece fundamental en una película de este tipo, pues Winding Refn ha hecho un gran trabajo de dirección, lleno de detalles sutiles y bellísimos encuadres que con un ritmo excesivo no se apreciarían como merecen. Y es que Drive es una película pensada para disfrutarse como el buen vino; despacito, a pequeños sorbos y saboreando cada trago.

Y para terminar, mencionar al resto de actores que aparecen en Drive haciendo un trabajo tan bueno como el de Ryan Gosling. Rostros conocidos como el de Bryan Cranston, Albert Brooks y Ron Perlman, y otros no tan conocidos, pero nada menospreciables, como el de Oscar Isaac o Carey Mulligan.

Territorio Comanche

2012-01-02T17:34:00.000+01:00

Terminé el año con un libro que llevaba muchísimo tiempo con ganas de leer, y la verdad, no me ha decepcionado en nada, aunque Arturo Pérez-Reverte no me ha decepcionado hasta el momento.

La historia se centra en dos corresponsales de guerra, Márquez y Barlés, destinados en Bosnia a principios de los 90. Todo transcurre en una tarde, mientras ambos protagonistas permanecen apostados cerca de un puente, esperando pacientemente a que el ejército croata lo vuele por los aires y poder grabarlo todo en detalle.

Durante esa larga y tensa espera, los protagonistas rememorarán experiencias y anécdotas acontecidas a lo largo de los años que llevan ejerciendo su peligroso trabajo. Estas historias son las que componen el grueso de la trama; unas son divertidas, y otras bastante crudas.

Si bien el argumento no es especialmente sorprendente, Reverte tiene la capacidad de saber meter al lector en la historia mediante el uso de un lenguaje claro y directo, sin pelos en la lengua, con bastante gracia y sabiendo lo que dice. Algo obvio si tenemos en cuenta que Pérez-Reverte fue reportero de guerra durante veintiún años, y que el libro se inspira en sus propias experiencias, aunque no es una autobiografía.

Es una novela muy breve y entretenida, con muchísimo ritmo, lo que hace que se pueda leer en un par de días sin problemas.

Pero aunque este autor tenga gracia y ritmo escribiendo, no quita que Territorio Comanche sea una novela considerablemente dura y, en ocasiones, desagradable y triste, ya que no deja de ser un fiel reflejo de la guerra, sin héroes ni honor, y con mucha mierda de por medio.

Existe una adaptación cinematográfica de igual título, protagonizada por Carmelo Gómez e Imanol Arias, que aún tengo pendiente de ver.

Feliz año nuevo y esa cosas

2012-01-01T20:08:00.000+01:00

¡Hola! lo primero pedir disculpas por el bajo ritmo de publicaciones que estoy teniendo últimamente, y es que mí trabajo en estas fechas navideñas es bastante cansino y me quita muchísimo tiempo, por lo que no puedo escribir tanto como me gustaría. Pero bueno, pronto pasará la navidad y tendré un poco más de vida que estos días pasados.

El sector de la hostelería es muy jodido, qué le vamos a hacer.

Y lo segundo, felicitar el año nuevo a todos los que seguís y leéis Motivos para levantarse, y desearos el mejor 2012 posible.

¡Un abrazo y a pasarlo de puta madre!

carretera al infierno

2011-12-27T19:17:00.000+01:00

El autoestop siempre se ha visto como una práctica peligrosa, tanto para el que saca el dedo, como para el que accede a llevar a un desconocido en su coche. Vamos, que yo nunca haría ni una cosa ni otra, y menos tal y como está el mundo.

Multitud de leyendas urbanas nos ha hecho temer en cierta forma a los autoestopistas, y en esta película se explota a fondo ese temor.

Carretera al infierno se mueve entre el slasher y el cine de acción puro y duro, sin dejar de lado su alma de road movie, por lo tanto, estamos ante una de esas películas que tanto me gustan. Uno de esos filmes que no se conforman con pertenecer a un sólo género.

El argumento es muy simple: un chico recoge a un misterioso autoestopista llamado John Ryder, per resulta ser un verdadero psicópata que le hará la vida imposible al protagonista, acosándolo e intentando asesinarlo constantemente.

Pero la tensión no se centra únicamente en este juego del gato y el ratón, porque, para más inri, John Ryder se encargará de que todas las culpas recaigan sobre el chico, por lo que también tendrá que apañárselas para burlar a la policía.

Uno de los aspectos más interesantes de este filme se encuentra en la figura del villano, interpretado por el gran Rutger Hauer, quien además de demostrar ser un pedazo de hijo de puta, despiadado y astuto como un zorro, se ve rodeado de un halo de misterio, ya que no conocemos nada sobre él ni su pasado, y de hecho, es posible que incluso su nombre sea falso.

En ningún momento de la película se dan a conocer las razones por las que John Ryder actúa de esa forma, como si se tratase de la mismísima encarnación del Diablo. Algo así como un Michael Myers de la carretera.

Robert Harmon, el director, demuestra a cada minuto de metraje que sabe hacer su trabajo, sumergiendo al espectador en la angustiosa historia que nos narra, salpicándola a partes iguales con secuencias terroríficas y otras de acción, tiroteos y persecuciones espectaculares.

Lo que no entiendo es cómo es posible que este director no volviese a rodar nada interesante, cuando en esta película deja claro que le sobra talento, tanto para la acción como para el terror.

Mención también para la banda sonora y la impresionante fotografía.

Resumiendo; Carretera al infierno es una atípica película de terror que rompe más de un tópico (uno de estos tópicos rotos está protagonizado por Jennifer Jason Leigh) y que, para rizar el rizo, resulta tremendamente entretenida.

Bajo mi punto de vista, es perfecta. Ahí queda eso.

Nervios Rotos

2011-12-21T19:09:00.000+01:00

A la mayoría les sonará el famoso silbido de ese clásico moderno que es Kill Bill, pero pocos saben que ese tema, compuesto por Bernard Herrmann, pertenece a la película titulada Nervios Rotos, dirigida por Roy Boulting y estrenada en 1968. En fin, era inevitable mencionar este dato.

La película cuenta la historia de un joven de familia adinerada que se enamora de una chica y, para conseguir acercarse a ella, urde un plan en el que, entre otras cosas, finge tener deficiencias mentales.

El problema viene cuando descubre que la muchacha de la que está, digamos, enamorado no siente especial interés por el chico, provocando en el chico un violento comportamiento que incluso le lleva al asesinato.

Nervios Rotos resulta entretenida y efectiva, llena de diálogos con chispa, unas interpretaciones muy buenas y un marcado aire hitchcockiano.

El argumento se centra especialmente en el trastorno mental del protagonista, porque aunque el personaje finja ser deficiente mental, realmente no está bien de la cabeza, lo que no quita que el tío sea inteligente y se las ingenie para elaborar un plan bastante arriesgado con tal de estar cerca de la chica con la que está obsesionado, porque no sé si enamorado es la palabra adecuada en este caso.

El filme combina varios géneros, como el policial, el thriller, el terror y algunas sutiles pinceladas humorísticas, acompañando al conjunto de unos buenos diálogos y una fotografía bastante decente.

Y poco más se puede decir, sólo que vale la pena verla por su original planteamiento y que, pese a durar dos horas, no se hace larga en ningún momento.

Desde el infierno

2011-12-15T19:54:00.000+01:00

Jack el destripador es uno de los asesinos en serie que más juego han dado en el mundo del cine, la literatura, e incluso los cómics, pero aún no he visto ninguna película que me convenza, excepto Desde el infierno y Asesinato por decreto (dos películas que guardan bastantes similitudes, por cierto).

Desde el infierno se basa en la novela gráfica de Alan Moore y Eddie Campbell , que se publicó entre 1991 y 1996, y se editó en un tomo recopilatorio en 1999.

La novela gráfica realiza un detallado estudio sobre el macabro caso de Jack el destripador, mezclando hechos históricos con otros que son fruto de la imaginación de Moore, pero todo esto es analizado punto por punto, de forma casi enciclopédica, dentro del propio tomo, en unas cuarenta páginas dedicadas exclusivamente a ello.

Hay que dejar claro que la película es una adaptación bastante pobre y simplificada de la densa obra de Alan Moore, y esto, como es costumbre, desembocó en una fuerte crítica negativa por parte de los fans del cómic original. Pero a decir verdad, la película no tuvo demasiada buena acogida, ni a nivel de taquilla ni de crítica.

Pero a mí siempre me pasa lo mismo; me gustan las películas que la mayor parte de la gente pone a parir (y viceversa), por eso considero a Desde el infierno una mala adaptación del cómic, pero una buena película sobre Jack el destripador (a fin de cuentas ¿qué importa que sea una mala adaptación mientras el resultado final sea bueno?), estupendamente ambientada, visualmente muy lograda y bastante barroca. Recargada. En ese aspecto recuerda un poco a Drácula, de Francis Ford Coppola, pero a pesar de que mucha gente ve eso como un defecto, a mí me resulta especialmente atractivo, pues se dota a la película de una sutil sensación de irrealidad que combina maravillosamente con lo que se cuenta.

El filme se basa en una de las teorías más aceptadas sobre la identidad del famoso asesino en serie; la del médico de la corte al que se le encomienda la misión de asesinar a todas las testigos de una boda prohibida entre el príncipe Alberto y una prostituta. En mitad de todo esto también está metido el tema masónico.

La dirección corre a cargo de Los Hermanos Hughes (que años después dirigieron la interesante El libro de Eli), y está protagonizada por Johnny Depp, Heather Graham, Ian Holm y Robbie Coltrane.

Rolling Thunder

2011-12-13T17:13:00.001+01:00

Titulada en España El Ex-preso de Corea (un título erróneo, puesto que Corea no pinta nada en la película, sino Vietnam. Imagino que le pusieron ese nombre para aprovechar el tirón comercial de El Expreso de medianoche), Rolling Thunder es una película que trata dos temas fascinantes; primero, la reinserción social y familiar de un veterano de guerra, y segundo, una típica historia de venganza de las que tanto me gustan.

El guión de Rolling Thunder corre a cargo de Paul Schreader, todo un especialista en crear antihéroes al borde del abismo y la locura, como ya lo hizo en Taxi Driver, cuyo protagonista, Travis Bickle, era otro veterano de guerra incapaz de integrarse nuevamente en la sociedad, y que, además de eso, estaba un poco majara.

En esta película se vuelve a emplear la figura del sufrido veterano de guerra que vuelve a su país para descubrir que su esposa ha rehecho su vida y, para colmo, recibe una brutal agresión por parte de unos mejicanos, que le amputan una mano, le disparan varias y veces, y para rematar, asesinan a su mujer e hijo.

Es ahí cuando empieza la trama de la venganza, pero hasta ese momento se hace un retrato muy acertado del veterano de guerra trastornado, que se siente como pez fuera del agua cuando no está rodeado de napalm y balas que pasan rozándole de cerca la cabeza.

Esto último es lo que lleva a algunas personas a decir que la película se hace un tanto lenta en su tramo inicial. Imagino que eso ocurre porque esperan un continuo tiroteo, como si de una película de Charles Bronson se tratase, y no es así. Estando Schreader detrás del guión no íbamos a tener una película de acción sin más.

Tras ver como el Mayor Charles Rane, el protagonista vengador, es incapaz de volver a integrarse en una sociedad que él ve completamente cambiada a través de su mirada inexpresiva y moribunda, carente de alma y sentimientos, y que incluso parece echar de menos las palizas que los vietnamitas le daban en prisión, empieza la segunda mitad del filme, centrándose únicamente en la misión que Rane se encomienda a sí mismo, y que consiste en matar a los mejicanos que asesinaron a su familia y lo dejaron lisiado de por vida.

Esta parte deja de lado el realismo del drama social y se centra en la acción algo caricaturesca, pues tenemos a un militar cabreado, con un garfio afilado en vez de mano, que va deambulando por México con la intención de liarse a tiros y llevarse por delante a unos cuantos sinvergüenzas.

El tramo final de la película recuerda poderosamente a Taxi Driver, incluso termina con un violento tiroteo en un burdel, al igual que en la película de Scorsese.

Por último, mencionar que este película actúa un primerizo Tommy Lee Jones, y que da gusto verlo de tipo duro y pegando tiros.

Nazareno Cruz y el lobo

2011-12-07T19:34:00.000+01:00

Hasta el día de hoy aún no he visto una película argentina que no me haya parecido, como mínimo, buena, y es que siento predilección por la cinematografía de este país. Que no digo que no se hagan bodrios, como en todas partes, pero de momento no me he encontrado con ninguno.

Nazareno Cruz y el lobo, dirigida por Leonardo Favio, es una extraña película bastante desconocida en España, aunque en Argentina fue el filme más taquillero junto a El secreto de sus ojos (otra película sencillamente perfecta, por cierto).

La película de Leonardo Favio parece beber directamente del cine de Alejandro Jodorowsky, pues visualmente es igual de impresionante, pero además de esto, hace multitud de referencias al folclore argentino, que difícilmente captaremos si no conocemos las tradiciones y leyendas de este país.

Leonardo Favio creó una película innovadora para su época, creando escenarios oníricos y siniestros valiéndose, únicamente, de escenarios naturales y muchísima imaginación.

La trama nos cuenta la historia de Nazareno Cruz, el séptimo hijo de siete hermanos que, por ser el séptimo, nace con la maldición del hombre lobo, pero esta no se manifestará hasta el día en que el chico se enamore, algo que, evidentemente, ocurrirá.

Admito que al principio me costó conectar con la película, ya que esta está salpicada por pinceladas de surrealismo que no esperaba encontrar. Lo que tenía en mente cuando empecé a ver la película se asimilaba más al realismo rural de El bosque del lobo y no a la puesta en escena onírica y barroca que Favio plasma en su filme. Pero pese a la estética rimbombante (y bonita), la historia se reduce a un simple cuento de amor imposible.

Mención especial para el personaje del Diablo, interpretado magistralmente por Alfredo Alcón, que lejos de ser maligno y terrorífico, resulta incluso enternecedor, pues es alguien que está cansado de hacer el mal (no fue él quien eligió llevar ese camino), y que lo que realmente busca es reconciliarse con Dios si él se lo permite.

En resumen; una película muy curiosa que enfoca el mito del hombre lobo como nunca antes se había visto.

Muerto el 4 de julio

2011-12-05T19:34:00.001+01:00

El dúo William Lustig y Larry Cohen (director y guionista, respectivamente), que ya nos regalaron ese clásico de culto que es Maniac Cop, volvieron a las andadas en 1997 con un slasher completamente desfasado y en una época en la que no encajaba, titulado Muerto el 4 de julio.

La primera vez que vi esta película fue en Antena 3, hace ya muchos años, en un programa que emitían una vez a la semana de madrugada y en el que ponían películas de terror bastante malas. Nunca había escuchado hablar de Muerto el 4 de julio, ni por aquella época sabía quien diablos era William Lustig, pero lo que si sé es que la película en cuestión me pareció un bodrio infumable.

Años después (esta misma tarde, concretamente), quise revisar este curioso slasher, y la verdad, ha mejorado muchísimo, aunque técnicamente hablando siga siendo una basura.

Lo primero que llama la atención de esta película es que va más allá del típico slasher en el que un psicópata enmascarado se dedica a asesinar a todo bicho viviente. Durante todo el metraje se hace una clara sátira hacía el patriotismo extremo, además de enviar un mensaje antibelicista directo y contundente.

El argumento trata sobre un militar que muere accidentalmente en combate eliminado por su propio ejército. Esto provoca la resurrección de Sam, que saldrá de la tumba invadido por una sed de venganza que sólo saciará asesinando a cualquier persona que dé señales del más mínimo antipatriotismo y que no actúe como un buen ciudadano americano.

La película no destaca especialmente en ningún aspecto y, posiblemente, si le quitásemos el elemento satírico y caricaturesco del guión, perdería el poco fuelle que de por sí tiene, pero gracias a la nada sutil crítica que hace, Muerto el 4 de julio se convierte en una curiosa y entretenida película de terror que, imagino, no debió gustar demasiado al gobierno americano.

Eso si, los asesinatos que lleva a cabo Sam son de lo más imaginativos, y van desde empalar con una bandera americana, hasta volar por los aires a un político corrupto a base de fuegos artificiales.

No es una película que recomiende a todo el mundo porque, a decir verdad, es bastante mala, pero a mí personalmente me parece un filme sin pretensiones que da lo que ofrece y no aburre. No hay que pedir mucho más a este tipo de cine.

En el reparto encontramos varios rostros conocidos, como a Isaac Hayes, Robert Forster o Bo Hopkins.

Quiero la cabeza de Alfredo García

2011-11-30T18:53:00.000+01:00

A medio camino entre el western y la road movie, Quiero la cabeza de Alfredo García se presenta como una de las películas más desconocidas del maestro Sam Peckinpah y, al mismo tiempo, una de sus obras más redondas y personales.

El argumento gira en torno a Benny (Warren Oates), un pianista y caza recompensas que emprende un peligroso viaje para encontrar a Alfredo García y entregar su cabeza, a cambio de la sustanciosa cantidad de dinero que un terrateniente mejicano ofrece por ella.

El viaje de Benny se irá complicando cada vez más, llegando a afectarle psicológicamente y mezclándolo en una espiral de violencia y peligros.

Cuando Peckinpah decidió realizar esta película, tenía claro que sólo la haría si poseía el control total sobre ella, sin que ningún productor despiadado tratara de censurarla o recortarla, como tantas veces le había pasado en otras de sus películas, y es que Peckinpah solía ser el blanco de la censura por culpa de sus filmes violentos y sucios.

Para conseguir su propósito era necesario rebajar costes, evitar contratar a actores famosos y tener un plan de rodaje rápido... bueno, y dejar de lado sus problemas con el alcohol, que por esa época empezaban a ser preocupantes.

Las localizaciones se llegaron a elegir sobre la marcha, según iban viajando por Tijuana y Méjico, de ahí que la película tenga ese toque sucio y realista del cine de guerrilla.

Una vez acabada, la United Artist comprobó lo que estaban sospechando de primera hora: la película estaba cargada de violencia. El problema para ellos consistía en que en el contrato que había firmado Peckinpah constaba que él tenía el control total sobre el montaje de la película, por lo tanto, la United Artist tenía que conformarse con el resultado final. Eso si, se encargaron de censurarla en países como Argentina y Alemania, de ahí, en parte, que Quiero la cabeza de Alfredo García sea una joya un tanto desconocida.

Otro de los aspectos que convierten al filme en uno de los trabajos más personales de Peckinpah es el personaje de Benny, inspirado en el propio director, o las alusiones que se hacen a lo largo del metraje a su vida privada y los viajes que realizó por Méjico. Incluso se podría decir que ambos comparten el mismo espíritu rebelde que tantos quebraderos de cabeza les da.

También es interesante mencionar que el hijo bastardo que tiene la hija del terrateniente en la película se llame David Samuel, que era el verdadero nombre de Sam Peckinpah.

En el aspecto técnico la película es impecable, como suele ocurrir siempre en el cine de Peckinpah, además de estar cargada de violencia, misoginia (algo muy presente en los trabajos de este director) y un ambiente caluroso, polvoriento y extremadamente sucio.

De modo que no me queda más remedio que recomendarla a viva voz a todos los amantes de las road movies, el western (aunque en este caso sea contemporáneo) y el cine de acción bien realizado.

Cine de medianoche: Videodrome

2011-11-23T20:59:00.001+01:00

Cuando se habla de David Cronenberg es difícil no pensar en el concepto de la nueva carne, algo muy propio de este director y del subgénero cyberpunk, pero ¿qué es la nueva carne? ¿en qué consiste esta idea? Básicamente en la unión biomecánica del cuerpo con máquinas, creando así nuevas extensiones anatómicas, para bien o para mal.

Es en videodrome donde Cronenberg explora más intensamente este concepto, pero sería injusto no mencionar a la más reciente eXistenZ, cuyo planteamiento es idéntico, aunque el contenido no lo sea tanto.

Videodrome nos plantea de forma alegórica, explícita y directa las consecuencias a niveles psíquicos que puede ocasionar ver violencia y otro tipo de información por televisión (o internet, si nos ajustamos a los tiempos que corren).

Cronenberg eleva todo esto a su máximo exponente, y pone a Max, el protagonista, en mitad de una espiral de violencia, complots y sangrientas alucinaciones psicodélicas que tiñen de pesadilla lo que realmente está viviendo el protagonista.

Esta película requiere de un segundo visionado casi obligatorio, como todos los filmes con diferentes lecturas. Además, en un principio puede resultar confusa ya que, como he mencionado antes, la realidad del protagonista se ve gravemente alterada tras recibir las ondas de videodrome, cuyo objetivo es ser emitidas a gran escala para controlar la mente de las personas que se expongan a ellas.

De modo que finalmente tenemos a Max, un antihéroe que acaba revelándose hacia quienes lo controlan, enfrentándose al sistema bajo el lema muerte a videodrome. Larga vida a la nueva carne, y la historia, una vez nos hemos familiarizado con ella, se simplifica considerablemente, sin perder por ello un atisbo de fuerza.

Después de haber asimilado como espectadores que no todo lo que vemos en la película es real y que hay que diferenciar realidad y fantasía (tengamos en cuenta nuevamente que la película se narra desde el punto de vista de un hombre que ha sido mentalmente alterado), aún quedan muchos temas en el tintero, como la metáfora sobre la extrema unión entre el hombre y la televisión (y repito, hoy en día habría que añadir internet y las redes sociales), y la forma en que todo esto puede afectar negativamente a una persona.

En la película incluso llega a plantearse la idea de que la realidad televisiva sea más real e importante que la realidad fuera de la máquina, y esto se podría traducir hoy en día en el abusivo uso de redes sociales, que en algunos casos hacen pasar a segundo plano la vida real, así como la necesidad de estar enganchados a estas para sentir que formamos parte de la sociedad. Esto queda impreso en Videodrome, cuando vemos un centro de ayuda a vagabundos que le proporciona un televisor a cada uno de ellos con el fin de que se sientan integrados.

Pero la cuestión principal que plantea el filme es, bajo mi punto de vista ¿puede la televisión y los medios de comunicación alterar nuestra mente de alguna forma o, como mínimo, hacernos cambiar de opinión? Yo personalmente creo que sí, y que ese es el mensaje que Cronenberg nos transmitió con esta película mediante el uso de metáforas camufladas de alucinaciones, como esas cintas VHS que los creadores de videodrome introducen en el reproductor de vídeo orgánico que Max desarrolla en el vientre, en las cuales están grabadas las instrucciones que este debe acatar.

La película está protagonizada por el siempre magistral James Woods, acompañado de Deborah Harry (la cantante del Blondie, que por cierto, es una actriz pésima).

La banda sonora corre a cargo Howard Shore, y los efectos especiales del gran Rick Baker.

Hardcore: un mundo oculto

2011-11-22T00:47:00.000+01:00

Este clásico de Paul Schrader, puede recordar a la fabulosa Taxi Driver (y no es de extrañar, puesto que ambos guiones están firmados por Schrader, todo un especialista en crear antihéroes urbanos), y rara es la reseña en la que no se comparan ambas películas, algo perfectamente comprensible si tenemos que cuenta que tanto Hardcore como Taxi Driver tratan temas muy similares, aunque esto no quiere decir que los argumentos sean parecidos, claro está.

Las dos películas hablan sobre el horror que un hombre puede encontrar en la sociedad que le rodea si escarba un poco y escudriña los rincones más oscuros de la ciudad.

Pero no nos engañemos, el protagonista de Hardcore (el gran George C. Scott, secundado por un no menos espléndido Peter Boyle) no es un psicópata como Travis Bickle, sino un padre en busca de su hija desaparecida que actúa como lo haría cualquier padre en su situación, reaccionando de forma realista y humana frente al oscuro mundo que se le empieza a desplegar ante sus narices.

El filme de Schrader hurga en la cara más tenebrosa del porno, incluyendo las legendarias snuff movies, y hace un retrato del aspecto más inhumano y frío de un mundo en el no hay sentimientos ni un ápice de bondad. Sólo cuenta el dinero a costa de cualquier cosa, ya que, tal y como se menciona en la película, todo lo que desees puede conseguirse si tienes dinero para pagarlo. Así de rotundo y triste, pero a la vez real como la vida misma.

Pero Hardcore no se limita a sacar los trapos sucios del cine porno, sino que también tiene tiempo para dar una breve pero efectiva reprimenda sobre cómo el despotismo de la corrección política y la represión excesiva en la educación de una persona puede ser tan destructiva como lo anteriormente mencionado acerca de la pornografía. Vamos, lo que siempre se ha dicho: nada que sea llevado al extremo es bueno.

Para los más interesados en el tema recomiendo ver también Asesinato en 8mm., dirigida por Joel Schumacher y protagonizada por Nicolas Cage. Dicha película es prácticamente un remake no confeso de Hardcore.

Noche de mierda (nuevo corto)

2011-11-18T18:34:00.000+01:00

Como estamos ya a las puertas del fin de semana y, para ser francos, no me apetece escribir una parrafada, optaré por la opción rápida y sencilla, es decir, dejándoos el último cortometraje que he grabado, 100% basado en hechos reales. Por cierto, incluye un número musical especialmente lamentable.

Un saludo, y buen fin de semana!

Wanted

2011-11-17T19:21:00.000+01:00

Mark Millar es un experto en dar una vuelta de tuerca al género comiquero por excelencia; el de los superhéroes, y así lo ha demostrado ya en varias ocasiones, como en el caso Kick-Ass o Némesis, al que ya le dediqué una entrada en su momento.

Se nota que Millar tienen predilección por los villanos, y en Wanted queda constancia de ello, ya que, no sólo da el protagonismo absoluto a una banda de súper criminales, sino que se encarga de erradicar a todos los héroes de la faz de la tierra.

Wanted viene a ser lo que hay entre bastidores en lo referente al mundo de los villanos: sus vidas privadas, su forma de organizarse, sus escarceos sexuales...

La historia narra como el calzonazos de Wesley Gibson es reclutado por una agencia de villanos para seguir los pasos de su difunto padre, y de paso, llevarse la millonaria herencia que este le dejo.

A partir de aquí nos adentraremos en una historia en la que no hay buenos, sólo malos y más malos aún, pero nadie con un mínimo de moral.

Mencionar también la galería de personajes extravagantes, como Cabeza de Mierda, Mr. Rictus, o un tipo con retraso mental que tiene prácticamente los mismos poderes que superman.

Cabe destacar que Millar representa a los villanos como verdaderas estrellas del rock, rodeadas de vicio, orgías, dinero... y sin nadie que les pare los pies, lo que convierte a Wanted en un festival desenfrenado de violencia, palabras malsonantes y sangre.

Pero si hay algo que realmente merece ser mencionado es ese final en que, en cierto modo, el autor se ríe en la cara del lector.

En 2008 se estrenó la adaptación cinematográfica, pero esta es tan poco fiel al cómic que no se puede decir que sea una mala adaptación, ya que, a decir verdad, no es una adaptación, sino una película que se inspira levente en el cómic de Mark Millar (especialmente durante los primeros minutos), pero sigue una línea argumental completamente distinta, y que poco o nada tiene esto que ver con el escabroso mundo de los súper villanos que refleja el cómic.

Sinembargo, la película funciona como un buen filme de acción, visualmente barroco y recargado, con una fantasmada cada minuto. ¿Qué quiere decir esto? que no podemos tomar en serio esta película ni verla como algo más que un simple divertimento bastante disfrutable que casi roza lo absurdo por su inverosimilitud.

Los confidentes

2011-11-14T18:41:00.000+01:00

De nuevo vuelvo a hablar de mi querido Bret Easton Ellis, en este caso de la novela Los confidentes, que si bien no es el mejor trabajo de este autor, merece una mención.

El libro no es una historia lineal, sino que se trata de un conjunto de relatos breves con una mínima conexión entre ellos, y como es costumbre con Easton Ellis, se dedican a satirizar a la sociedad de clase alta, adinerada, fría, excéntrica, promiscua y, en ocasiones, terrorífica.

Al ser un conjunto de relatos es imposible no encontrar algunos que sean muy buenos, otros malos, y otros directamente una mierda. No puedo negar que ciertos relatos que componen el libro me parecieron insulsos y demasiado minimalistas, como si el autor no supiese en realidad qué coño iba a contarnos, pero también es cierto que algunos de los relatos valen su peso en oro, como el del secuestro del niño o ese que está protagonizado por vampiros.

El retrato crudo y mordaz a la peor cara de los años 80 sigue latente en esta obra, pero la parte negativa es que lo que cuenta no resulta tan interesante como en otras novelas del autor, tales como Menos que cero o la polémica American Psycho.

El mensaje intrínseco es el mismo, pero lo aburrido de algunos de los relatos que conforman el libro hace que este pierda mucho ritmo.

Aún así, como he dicho antes, las mejores partes de Los confidentes compensan los pasajes más flojos, por lo que no deja de ser una lectura altamente recomendable.

Lo que si que no recomiendo es la adaptación cinematográfica, y eso que tiene un lujoso reparto coral encabezado por Billy Bob Thorton, Mickey Rourke, Chris Isaak y Kim Basinger.

La película en cuestión deja atrás todo aquello que salva al libro, es decir, las mejores historias. La de los vampiros directamente la han dejado fuera del filme, y la del secuestro del niño está tan suavizada que su final cambia radicalmente hacia los senderos de lo políticamente correcto, hasta límites vergonzosos y trillados.

También tiene algunos buenos momentos, como el crudo y desesperanzador final, pero a diferencia de lo que ocurre en la novela, aquí no consiguen salvar el resultado final, que acaba siendo soso, sin llevarnos a ninguna parte.

La celda

2011-11-10T14:27:00.000+01:00

No puedo negar que tardé mucho en ver esta película por el simple hecho de que estar protagonizada por Jennifer Lopez, y me parecía que iba a ser una monumental chorrada para adolescentes fans de esta cantante.

Muchos años después de su estreno, me animé a verla por consejo de un amigo, que me la describió como un cruce entre El silencio de los corderos y algo de Alejandro Jodorowski. Después de eso, y siendo mi amigo alguien cuyo criterio me parece válido, decidí verla.

Lo que esperaba, Jennifer Lopez hace una interpretación regular tirando a mala, pero todo lo demás compensa la presencia de esta no-actriz.

La película trata sobre un dispositivo que permite viajar directamente al interior de la mente de un individuo con algún tipo de trastorno psíquico con el fin de poner remedio a su problema.

A la psicoterapeuta Catherine Deane le encargan la misión de introducirse en la mente de un trastornado asesino en serie y buscar las pistas para encontrar el paradero de su última víctima antes de que esta muera ahogada.

Como ya podréis imaginar, La Celda no es un thriller al uso, ya que se centra más en el aspecto estético y visual que en mantener al espectador en vilo con la típica investigación policial, de modo que hay una ausencia casi total de intriga, pero esto no tiene que ser algo necesariamente negativo.

En lo que realmente se centra la película es en los motivos y traumas que convirtieron al asesino en asesino, en las acciones que pueden transformar a un niño normal y corriente en un psicópata sanguinario.

Tarsem Singh, el director, venía de dirigir varios videoclips cuando le encargaron la realización de esta película, y siendo un tipo con muy buen ojo a la hora de crear paisajes, vestuarios y secuencias de gran belleza visual, no pudo resistirse con este filme, ya que era una oportunidad perfecta para dar rienda suelta a su imaginación, y de paso, homenajear a artistas como Odd Nerdrum o Salvador Dalí.

Pero del mismo modo que Singh nos sorprende con escenarios bellísimos, también sabe dar miedo y resultar pesadillesco, y este elemento está presente durante casi todo el metraje, siempre que la protagonista se introduce en la mente del asesino.

En el reparto tenemos, además de a Jennifer Lopez, a Vince Vaughn y a un excelente y perturbador Vincent D´Onofrio, a quien recordaréis por su papel de recluta patoso en La chaqueta metálica.

Y por último mencionar uno de los aspectos que más fuerza le dan a la película: la banda sonora de Howard Shore. Esta está llena de ritmos étnicos y salpicada de un estilo árabe que ayuda a reforzar la onírica ambientación del filme.

American psycho

2011-11-08T19:40:00.002+01:00

Cuando pensé en escribir esta entrada dudaba de si centrarme en la novela o en la adaptación al cine, y finalmente he decidido decantarme por las dos cosas, pero dándole más importancia y bombo a la novela, por dos razones:

a) es el material original ¡qué coño!

b) es superior a la película, aunque esta tampoco se puede decir que sea mala.

American Psycho es la tercera novela de Bret Easton Ellis, que había cosechado un éxito rotundo con su primer libro, Menos que cero, el cual tuvo sus abundantes dosis de polémica debido a ciertos pasajes especialmente macabros (el de la película Snuff, por ejemplo), pero en el caso de American Psycho la cosa fue a más, incluso antes de su publicación.

Como ya he dicho, antes de estar a la venta, esta novela había levantado ampollas en la sociedad, especialmente en la comunidad feminista (algo comprensible, en cierta forma), que se manifestó en las calles para protestar contra esta "guía para matar mujeres", según ellas.

Pero quitando el hecho de que la mayoría de víctimas del protagonista de la novela sean mujeres, la extremadamente detallada descripción de los asesinatos, a cada cual más grotesco y desagradable, ya le habían otorgado a esta novela todas las papeletas para crear polémica (y esto, normalmente, es sinónimo de éxito), ya fuese a cargo de las feministas o de los típicos mojigatos que pululan por el mundo.

La trama transcurre a finales de los años 80, y gira en torno a un ejecutivo llamado Patrick Bateman. Joven, guapo, adinerado e independiente, con un piso en la mejor zona de Manhattan y dueño de cientos de objetos de marcas caras, así como cliente asiduo de cualquier restaurante de lujo.

Todo parece perfecto en esta persona, pero lo cierto es que bajo sus trajes de Armani y sus cremas hidratantes para la cara se oculta una bestia asesina. Un monstruo psicópata carente de humanidad y sentimientos, y con una adicción letal al asesinato, la tortura, la necrofilia y el canibalismo.

Muchos tacharán a la novela como un simple slasher literario pasado de rosca, pero no cuesta entrever la metáfora que nos plantea el autor acerca del extremo materialismo, la soledad y la falta de identidad, así como una brutal crítica a la sociedad moderna y, más concretamente, a la burguesía. Es por esto último por lo que considero a Easton Ellis y su American Psycho la versión literaria y gore de Luis Buñuel.

Habrá otros que se aburran leyendo este libro, ya que Ellis describe con pelos y señales cada objeto, ya sea un televisor, un traje o una cafetera, dándonos a conocer la marca, el diseñador o cualquier otro detalle que, en realidad, resultan completamente innecesarios, igual que esas páginas dedicadas a contar la historia de algunos grupos musicales como Génesis o la cantante Whitney Houston, entre otros, pero ¿realmente es innecesario dar esta información y detalles? Yo personalmente creo que no, ya que al ser una novela contada en primera persona, y siendo nuestro narrador un completo psicópata desquiciado, todo vale. Además, con ese elemento se refuerza la crítica hacia el materialismo y la superficialidad que el autor pretende hacer.

No hay más que fijarse en las numerosas incongruencias evidentes en lo que nos narra Bateman, en ocasiones, puras fantasmadas fantasiosas salidas de su inestable mente.

Siendo esto así, podemos sacar dos conclusiones una vez acaba la novela; primero, Bateman no ha cometido ningún asesinato y todo ha sido producto de su imaginación. Segundo, Bateman ha matado a toda la gente que ha dicho. Tercero, el protagonista ha mezclado realidad y ficción, siendo ciertas algunas de las cosas que nos ha contado, y otras falsas. Yo, personalmente, me quedo con la tercera opción.

Esto queda ya a gusto del lector. Cada cual que saque sus conclusiones.

Y luego tenemos la película del 2000 dirigida por Mary Harron (si, irónicamente la dirigió una mujer) y protagonizada por Chrisian Bale, Reese Whiterspoon, Jared Leto y Willen Dafoe.

No es una mala adaptación ni mucho menos, ya que consigue lo mínimo que se tiene que conseguir a la hora de adaptar un libro o un cómic; captar el espíritu de la obra original.

La película, comprensiblemente, deja de lado los pasajes más gores del libro, ya que de haberlos adaptado con fidelidad no se hubiese podido estrenar, pero si deja intacta esa sensación en el espectador (o lector) de que algo no va bien. De que, de repente, hemos visto o leído algo que no tiene sentido.

Repito, estamos en la mente de un psicópata ¿de qué nos sorprendemos?

Pero, como he mencionado antes, lo más importante queda impreso en el filme, pues hace la misma crítica mordaz que la novela, aunque prescinda de las escenas mas escabrosas.

A la caza

2011-11-03T18:54:00.000+01:00

Antes de nada, disculparme por estos días de ausencia en el blog, pero el puente me ha quitado mucho tiempo por motivos laborales (si, trabajo más en fines de semana y festivos, por eso detesto estos días y adoro los de entre semana), pero bueno, una vez concluido este asqueroso puente vuelvo a la normalidad, y qué mejor forma de hacerlo que con una buena película.

A la caza cuenta la historia de un policía infiltrado en el mundo gay que intenta atrapar por todos los medios posibles a un asesino en serie especializado en dar matarile a homosexuales, pero este agente de la ley pronto empezará a sentir los efectos secundarios (psicológicos, sobre todo) de tener tanta polla cerca.

William Friedkin, su director, hace tres cosas que ya hizo anteriormente con su obra maestra, El exorcista; por una parte se basa parcialmente en hechos reales. Por otra, trata de buscar un realismo malsano y sucio, y creo que en este filme lo consiguió más que en El exorcista, ya que la historia se presta más a esto último. Y finalmente, cabe destacar también el uso de imágenes subliminales (porno gay, para ser exactos), con el propósito, imagino, de crear incomodidad en el espectador.

Friedkin, al igual que el protagonista de la película, también pasó varias noches inmerso en el ambiente gay y sadomasoquista de Nueva York, con el fin de empaparse bien de este mundillo y dar mayor verosimilitud al filme, algo que consiguió con creces. Sólo hay que ver las secuencias que trascurren en el interior de locales gays.

Este último punto fue criticado por la comunidad homosexual, ya que acusaba a la película de dar una imagen estereotipada, sucia y viciosa de los gays.

Uno de mis puntos favoritos de la película es su ambiguo final, pues se puede interpretar de varias formas y eso siempre da mucho juego, ya que implica directamente al espectador, quien agradece que no se lo des todo mascadito como si fuese tonto.

El reparto está encabezado por Al Pacino, Karen Allen y Paul Sorvino, además de contar con un pequeño papel del siempre efectivo (y feo) Joe Spinell.

Especial Halloween 2ª parte: un breve repaso al cine satánico

2011-10-27T20:10:00.001+02:00

Qué sería de este especial Halloween sin un repaso a algunas de las mejores películas del subgénero satánico, el cual nos ha dejado grandes clásicos indiscutibles del cine de terror y suspense.

Fue en los 70 cuando el cine satánico tuvo su mayor auge. Hubo toda una oleada de películas que trataban sobre temas similares, ya fuesen exorcismos o sectas asesinas, y todo esto se debe en gran medida a los asesinatos de Charles Manson (la muerte de Sharon Tate fue todo un shock mediático) y su pandilla de hippies desquiciados.

Luego vinieron los años 70, y toda la paz y amor del llamado verano del amor se fueron a paseo. Los hippies empezaron a ser vistos como peligrosos adoradores del Diablo y, en definitiva, el buen rollo se acabó para dar paso a la década de los 70, una época mucho más pesimista y oscura, algo que, lógicamente, se notó en el cine, ya que este suele ser un fiel reflejo de la sociedad.

La semilla del Diablo

Me parece justo empezar por esta película ya que, en gran medida, fue la causante de esta fiebre satánica, y la culpable de la muerte de Sharon Tate, que por aquellos años estaba casada con Roman Polanski, director de La semilla del Diablo.

Por lo visto, el bueno de Polanski quería que su película fuese realista, y tras leer la novela en la que se basa, empezó a documentarse sobre sectas satánicas y satanismo en general. Se entrevistó con Anton Lavey, el fundador de la Iglesia de Satán, y este le contó algunos detalles que luego Polanski pondría en su película.

La comunidad satánica se enfadó con Lavey por irse de la lengua, y por supuesto, con Polanski por haber hecho la película, de modo que decidieron castigarlo asesinando a su esposa durante una fiesta (cabe mencionar que todos los miembros de la fiesta murieron también).

La película no puede ser más minimalista y simple (y que nadie espere ver monstruos ni fenómenos paranormales), pero consigue su propósito con creces, ya que lo que la historia busca es crear sensación de paranoia y confusión, y esa es justo la pesadilla que vive la protagonista cuando se muda a ese bloque de pisos repleto de adoradores del Diablo, ansiosos por engendrar al anticristo.

El exorcista

Otra película insignia dentro del subgénero satánico y todo un clásico inmortal del cine de terror.

Ya le dediqué una entrada, pero es imperdonable hablar de cine satánico y no mencionar El exorcista.

La película no sólo gana con los años, sino que además resulta tan aterradora y realista como el primer día, y junto con La semilla del Diablo, es una de las principales precursoras del cine demoníaco.

Su director, William Friedkin, nos va dosificando las escenas terroríficas a lo largo de toda la película (mensaje subliminales incluidos), tomándose su tiempo, para acabar con una secuencia espectacular que es recordada por todos, y que de no ser por cómo el director va dándole profundidad a cada personaje y creando una atmósfera durante todo el metraje anterior, dicha secuencia no tendría el mismo impacto visual y psicológico.

En fin, una obra maestra de la poco más se puede decir a estas alturas.

Carrera con el Diablo

Con un título así cualquiera esperaría encontrarse con un filme de persecuciones en la línea de Punto Límite: Cero, pero no es así, aunque tampoco estamos ante una película de terror.

Carrera con el Diablo se acerca más a la acción, pero dando especial importancia al suspense y la tensión que respiran los protagonistas. De esta forma, la paranoia y la confusión se apodera de ellos cuando empiezan a creer que están siendo perseguidos por sectarios, y están en lo cierto, pero llega un momento en el que les parece que todo el mundo les observa, y que cada persona con la que se cruzan, incluyendo la población entera de una pequeña localidad, es un siervo de Satán. ¿Están equivocados y paranoicos, o realmente se han metido de lleno en la boca del lobo? Esa es la grandeza de la película, ya que deja que el espectador saque sus propias conclusiones dejando este interrogante en el aire.

Me bebo tu sangre

Esta es una de esas películas con un argumento tan delirante y grotesco que es imposible verla como algo más que una comedia negra con altas dosis de sangre y violencia a cargo de unos hippies satanistas con ganas de cachondeo.

Pero aquí no acaba la cosa, puesto que la película está dividida en dos partes bien diferenciadas. La primera de ella nos cuenta las andanzas de unos hippes adoradores del Demonio que van por ahí haciendo de las suyas, tomando drogas y dando por culo al personal, incluyendo a un pobre abuelete al que obligan a tomar LSD, teniendo un efecto nefasto en el pobre hombre.

La segunda parte empieza cuando el nieto del abuelo agredido decide vengarse de los hippies preparándoles unos pasteles de carne envenenados con sangre de perro infectada de rabia. Supongo que ya imaginaréis que a partir de aquí, la película empieza a funcionar como un filme de zombies o infectados.

Como he dicho antes, es imposible tomarse en serio Me bebo tu sangre, pero pese a lo desenfada y absurda que resulta, el mensaje de rechazo a la cultura hippie que lleva implícito es más que evidente.

El Anticristo

A partir del estreno de El exorcista, y como pasa con todas las películas que consiguen crear repercusión, se rodaron varios filmes que trataban de aprovecharse del éxito de la película de Friedkin, pero la calidad de estas imitaciones dejaban muchísimo que desear. No obstante, El Anticristo es, posiblemente, la mejor de las explotaciones de El Exorcista, aunque eso no quiere decir que la iguale ni la supere. Ni por asomo.

Esta película funciona exactamente igual que la mayoría de filmes sobre exorcismos, es decir, una chica empieza a sufrir extraños síntomas que acaban desembocando en una sucesión de fenómenos paranormales y burradas, además de un buen número de palabras malsonantes por parte de la poseída.

Los efectos especiales son de chufla, muy malos, pero la historia tiene algo de consistencia, e incluso hay secuencias muy logradas y perturbadoras, como la del aquelarre o esa en la que la protagonista encuentra una estampa de Cristo con un rostro terrorífico y amenazador.

Resumiendo, la película es técnicamente pésima, pero como historia de exorcismos funciona bastante bien y no aburre en ningún momento.

La profecía

Otra de esas películas míticas sobre el Demonio, o más concretamente, sobre el Anticristo, sobre las que ya está todo dicho.

En este caso se nos cuenta la historia de un matrimonio perteneciente al mundo de la política que, tras perder a un bebé durante el parto, el hombre decide adoptar a un bebé sin que su mujer lo sepa, y hacerlo pasar por su hijo. El problema de todo esto es que no se sabe quiénes son los padres biológicos del niño, el cual empieza a comportarse de una forma extraña, poniendo en alerta a su padre adoptivo, que empezará a investigar en el pasado del niño para averiguar qué está pasando. Evidentemente se llevará algunas sorpresas desagradables y algún que otro intento de asesinato.

La noche del Demonio

Esta es, junto con Haxän, una de las primeras películas en tratar el tema del satanismo y, bajo mi punto de vista, una de las más logradas por varios motivos. El primero de ellos es la forma de llevar el ritmo, que hace que la tensión y las incógnitas aumenten conforme avanza la película, y el segundo la manera de plantear la historia, ya que todo lo que vemos pueden verdadero o falso; o auténticos fenómenos paranormales, o una serie de coincidencias, trucos y alucinaciones creadas por la sugestión.

Nada indica que sea falso, pero ojo, tampoco que sea real, de modo que el espectador deberá decidir al final de la película lo que ha ocurrido.

Especial Halloween 1ª parte: el mejor terror del 2010-2011

2011-10-24T18:52:00.001+02:00

Me gusta Halloween, y eso que rara vez tengo oportunidad de celebrarlo, pero me alegra el día todo lo que tenga que ver con zombies, vampiros, monstruos, asesinos en serie y, en general, terror.

El año pasado se me pasó por completo hacer un especial Halloween, algo imperdonable si tenemos en cuenta que este blog está dedicado en un 90% al género fantástico y de terror, pero este año van a caer dos entradas especiales, así compenso lo del año pasado.

En esta primera entrada voy a hacer un pequeño repaso a las mejores películas de terror (bajo mi punto de vista, claro) del 2010 y el 2011, pero ¿por qué incluyo también el año pasado? Porque si sólo menciono las películas de terror buenas del 2011, esta entrada no da ni para cinco segundos de lectura, y es que ha habido mucha mierda en las salas. De todas maneras, alguna cosita interesante hay por ahí.

Insidious

Quizá la mejor película de terror que he visto este año (y el pasado). Su director, James Wan, no me inspiraba demasiada confianza, pero después del ver el resultado tuve que tragarme mis palabras.

Insidious es la típica (o no tan típica) historia de fantasmas, con un niño de por medio que parece ser el responsable de los extraños fenómenos que están teniendo lugar en la casa, pero luego se descubre que hay algo más.

El argumento no es nada del otro mundo, pero es en lo estético donde la película destaca sobre otras producciones similares, siendo bizarra, excesiva, caricaturesca y con algunos toques oníricos que me pusieron la piel de gallina, además de tener una banda sonora de lo más apropiada, una estupenda fotografía llena de colores apagados y una atmósfera pesadillesca, triste y deprimente.

La cosa

Como fan incondicional de la película de John Carpenter, no podía evitar ir con cierto miedo a la hora de ver esta precuela que ha resultado ser mejor de lo que esperaba.

Es cierto que parte del encanto de la película de Carpenter radicaba en la tensión y la inseguridad que se respiraba en el aire, y parte de esto se ha perdido en la nueva entrega, siendo sustituido por los típicos sustos fáciles, pero aún así queda algo de la película original. Todavía se respira ese miedo, esa continua desconfianza, y esa sensación de que, de un momento a otro, tu compañero reventará y se convertirá en un engendro demoníaco sediento de sangre.

Otra cosa que se echa de menos es el uso del látex y los animatronics (soy un clásico, lo siento), pero a decir verdad, el CGI usado es muy decente, y siendo una película mayormente oscura, se disimula muy bien.

Pesadilla en Elm Street: El origen

A poca gente le gustó este remake. Unos porque decían que el diseño del nuevo Freddy no les gustaba, y otros porque simplemente la tachaban de aburrida, innecesaria y cutre. A mí no me pareció nada de eso, y tanto es así que llegué a verla dos veces en cines.

Como he dicho en varias ocasiones sobre esta película, no creo que tenga que competir con la original de Wes Craven, sino verla como un complemento. Una nueva entrega de la saga con la cara lavada.

La historia es la misma de siempre, pero en esta ocasión nos encontramos a Jackie Earl Haley en el papel de Freddy, en vez de al habitual Robert Englund, al que tampoco se le echa de menos porque Earl Haley es un actorazo y lo hace fenomenal.

Hay sustos fáciles que se podrían haber evitado, pero se compensa por la maravillosa fotografía, el nuevo maquillaje de Freddy y las abundantes dosis de sangre.

Piraña

Un remake bastante inferior (y diferente) a su original, pero se salva por su alta carga violenta y gore, y porque no tiene escrúpulos en mostrarnos mutilaciones aberrantes (genitales incluidos), por lo que, como podréis imaginar, se trata de una producción bastante gamberra y sinvergüenza.

Es una película que no se toma en serio a sí misma, y aunque tarda bastante en arrancar, la orgía de carne picada, tripas y sangre que se desata al final compensa la espera, y teniendo en cuenta que el creador de los efectos de maquillaje es el grandísimo Greg Nicotero ¿qué más puedo decir?

Y hasta aquí llega la cosa. Como podéis ver, pocas películas de terror me han parecido buenas de verdad en estos últimos dos años, aunque imagino que alguna se me ha olvidado reseñar.

No sé si es que, al tratarse de un género que me gusta especialmente soy más exigente, o que realmente el cine de terror está echado a perder.

Cine de medianoche: La matanza de Texas 2

2011-10-19T19:55:00.001+02:00

Hablar de La matanza de Texas 2 es hablar de una película radicalmente opuesta a su predecesora, ya que el director, Tobe Hooper, decidió mostrar en esta entrega todo lo que en la anterior únicamente se insinuaba. Dejó de lado la “elegancia” y discreción de la original para mostrarnos una orgía de sangre, locura, vísceras y violencia gratuita, y esto convirtió a La matanza de Texas 2 en un demencial referente casi tan importante como la película original de 1974.

El argumento nos cuenta la historia de una locutora de radio que es atacada por la mortal familia de matarifes locos, y es que cuando estos descubren que la chica tiene en su poder una grabación radiofónica que los puede poner en apuros, pondrán toda la carne en el asador para tratar de hacerse con dicha grabación y, de paso, matar a alguien.

Ya el argumento deja entrever que la película no tiene absolutamente nada que ver con la primera parte, la cual estaba más centrada en narrar una historia verosímil, cruda e impactante, mientras que esta secuela es más bien una autoparodia llevada a cabo por el propio director, que quiso llevar hacer algo más cómico, bizarro y gore.

Los problemas empezaron justo ahí, en la violencia y casquería de la que esta película hacía gala. Hooper tuvo que hacer varios recortes en el metraje para no llevarse una clasificación X, pero es que aún con los recortes, la película seguía siendo una salvajada que incluía destripamientos, despellejamientos, mutilaciones y un humor negro que no hizo demasiada gracia a los productores, de modo que le colocaron la X igualmente. Para evitar que la película acabase proyectada únicamente en circuitos pornográficos, le pusieron la etiqueta “sin catalogación”, de modo que podría proyectarse en cines comerciales, pero las películas con dicha etiqueta no podían ser anunciadas ni en televisión, ni en radio, ni nada de nada, así que podéis imaginaros el éxito de taquilla que pudo tener. Eso mismo contribuyó a que hoy en día se considere una película de culto que, personalmente, me parece una joya del salvajismo ochentero.

Otra cosa que tampoco gustó demasiado a los productores fue la extrema violencia gratuita y alocada que rezumaba el filme, lo que les hizo pensar que algunas secuencias se rodaron bajo la influencia de sustancias alucinógenas, y la verdad es que estando Dennis Hopper en el reparto, me lo creo.

De todas formas esa atmósfera gótica y demencial, salpicada de sangre y escenas pasadas de rosca (el inicio, sin ir más lejos), así como la desmitificación de los personajes, en especial de Cara Cuero, y el hecho de que media película esté improvisada (el guión sufría cambios casi diariamente, de modo que aquello era un caos) convierten a La matanza de Texas 2 en una obra maestra del cine chusco.

Pero la pregunta del millón es ¿Es esta segunda parte mejor que la original? Digamos que es un buen complemento, pero le pasa igual que a Alien y Aliens: el regreso, dos películas que tratan de lo mismo, pero contadas de forma distinta y con tonos muy opuestos, lo que hace que compararlas sea complicado y casi injusto.

Mientras que La matanza de Texas es una brutal historia sobre algo que podría ocurrir, contado de forma casi documental y sucia, centrándose en crear una atmósfera perturbadora y realista, La matanza de Texas 2 opta por el chiste (uno de los pósters parodia el cartel de El club de los 5), la exageración y la caricatura grotesca.

Lo que está claro es que ambas películas son ejemplos de extraordinario cine de terror, de ese que ya apenas se hace.

The street fighter

2011-10-17T19:30:00.000+02:00

Lo primero es decir que esta película no tiene absolutamente nada que ver ni con el videojuego del mismo nombre ni con la penosa adaptación que se hizo de este hace un puñado de años y que protagonizó Jean-Claude Van Damme y Raúl Juliá.

Y lo segundo es que, aunque muchos puedan pensar que esto es un sucedáneo de las películas de Bruce Lee, decir que va mal encaminado. De hecho, Sonny Chiba, el protagonista de esta película, fue algo así como la respuesta japonesa a Bruce Lee, pero The street fighter no es sólo una película de artes marciales y hostias a porrillo (resulta sorprendente la facilidad con la que los personajes se lían a mamporros a la mínima de cambio), sino que en general cuenta con abundantes dosis de gore y sangre, donde encontramos globos oculares reventados, genitales arrancados a mano, cuerdas vocales amputadas y muchos cráneos rotos.

La historia es simple; Takuma es un karateka mercenario que se vende al mejor postor, pero cuando los yakuza no acceden a pagarle el dinero que el protagonista exige por un trabajo, este decidirá enfrentarse a la mafia y llevarse por delante a todos los que pueda.

Lo cierto es que tampoco hay demasiado más que decir, puesto que la película es una continua sucesión de peleas y escenas violentas, lo que convierte a esta película en un producto altamente entretenido y de fácil digestión.

Además de esto, el protagonista, Sonny Chiba, también contribuye a la calidad general del filme, puesto que, sin ser Bruce Lee ni poseer el nivel de maestría para luchar que este tenía, el tío tiene carisma y su personaje transmite una sensación de invulnerabilidad y poder que se contrarresta con el hecho de que siempre acaba como un cristo.

Digo siempre porque The street fighter cuenta con dos secuelas en la misma línea, ni mejores ni peores, y que también contienen un considerable nivel de salvajismo y sangre, lo que incluye el asesinato con pistola, pero no disparándola, sino ¡clavándola!

En fin, una gozada para todos aquellos que disfruten con el cine de acción y, por supuesto, las artes marciales.

Cine de medianoche: Blood Feast

2011-10-13T19:50:00.002+02:00

¿Qué puedo decir de Blood Feast? Creo que todo aficionado al cine gore y de terror debería conocer esta película como la madre del gore, y Herschell Gordon Lewis el padre. Así es, esta película dio origen a lo que hoy en día es el cine gore.

Gordon Lewis, que ya había cometido algunas fechorías con sus nudies, quiso romper otro de los tabúes del cine: la violencia explícita.

Ver sangre y casquería era algo impensable durante aquellos lejanos años (1963), pero Lewis hizo exactamente lo mismo que con sus nudies; mostrarlo todo sin cortarse un pelo. Con esta premisa rodó Blood Feast, una película de pobre argumento y presupuesto mínimo a la que se le veía el plumero, y es que estaba claro como el agua que su director no pretendía contar una historia elaborada, con personajes profundos, sino una historia más simple que el mecanismo de un botijo con la única intención de enseñar toda la sangre y vísceras que le fuesen posible.

El tío sabía que iba a triunfar, ya que hasta entonces no se había visto nada así, de modo que la película fue un éxito gracias al morbo que despertaba en los espectadores, cuya curiosidad les llevaba en masa a ver aquella película tan, supuestamente, macabra y retorcida.

Gordon Lewis aprendió de William Castle y usó algunos gimmicks, como la entrega a cada espectador de una bolsa de papel por si no podían aguantar las ganas de vomitar.

Evidentemente la cosa no era para tanto, pero esta clase de técnicas de marketing ayudaban a crear cierta leyenda alrededor de la película, aumentando la curiosidad de los espectadores.

La película trata sobre un loco asesino que pretende resucitar a una antigua diosa egipcia haciendo una especie de guiso a base de carne humana. Carne que conseguirá, evidentemente, matando a personas y robando trozos de sus cuerpos.

Y no, la historia no da más de sí. Es así de sencilla, pero no podemos olvidar, como he dicho antes, que el único propósito de Lewis era el de mostrar sin tapujos carnaza y sangre (algo así como lo que hizo James Cameron con Avatar, para que nos entendamos, sólo que en su caso lo que pretendía era lucir efectos especiales hasta en el ojete).

Con unos diálogos que rozan el ridículo (tanto, que parecen sacados de un sueño absurdo), unas interpretaciones verdaderamente malas, como si las frases la recitaran robots, y una gama de colores chillones y horteras que le da a todo un aspecto como de cómic.

Esto, aunque no lo parezca, en conjunto le da a la película un aire casi surrealista y perturbador, que junto con la repetitiva y chirriante banda sonora, hacen que todo el filme parezca una especie de pesadilla kitsch.

Pero lo más importante es que, pese a todos esos fallos, la película es realmente entretenida y dura poco más de una hora, así que es casi obligatorio verla.

En los 80 se hizo una secuela no oficial titulada Fonda Sangrienta (muy recomendable también, por cierto) con la que Gordon Lewis no tuvo nada que ver, pese a que él mismo dijo que estaba preparando un remake, pero visto lo visto, dudo que a estas alturas llegue a ver la luz.

cortometraje: un cuento de amor

2011-10-11T14:43:00.001+02:00

Esta semana la tengo un poco apretadita entre el trabajo y la grabación de un corto con el que estoy liado, de modo que hoy tampoco voy a poder escribir una entrada normal, pero a cambio os dejo un breve corto de dos minutos que hice hará un par de meses. Así os entretenéis hasta mañana, que tengo el día más desahogado y podré escribir normalmente.

Os dejo, que en una hora tengo que irme a seguir grabando mi nuevo corto de chufla, del que por cierto, este es el teaser póster.

¡mañana más!

El cine español está prostituido

2011-10-06T20:04:00.004+02:00

Ayer me tragué un vídeo de youtube de más de una hora de duración en el cual se recogía la rueda de prensa que dio Tinieblas González hablando sobre la supuesta corrupción y destrozo que los mandamases (es decir, los productores) están haciendo al cine español, machando por completo la creatividad y control que un director debe tener sobre su obra, porque coño, para eso es el director.

¿Quien es Tinieblas González? Yo hasta que no vi ayer la rueda de prensa de este hombre no había escuchado hablar de él en mi vida, de modo que he investigado un poco. Se trata de un cortometrajista que intentó saltar al cine haciendo un largometraje titulado Almas sin dueño, pero por lo que cuenta, tuvo muy, muy mala suerte, y ni su película se ha estrenado, ni se hará jamás. Y si se estrena será la versión masacrada que la productora hizo.

Igualmente he visto el trailer de la película y tiene pinta de ser una puta mierda de principio a fin, de todas maneras aquí lo que cuenta no es el trabajo de Tinieblas (vaya nombre, por cierto. Espero que sólo sea artístico), sino su experiencia y las cosas que cuenta acerca de la industria del cine español

Os dejo el vídeo por si os aparece echarle un vistazo. Vale la pena.

http://www.youtube.com/watch?v=0G4YVZfvPWk

Si os da pereza tragaros todo eso (aunque repito, vale la pena y no se hace aburrido), os dejo aquí una pequeña síntesis de lo que comenta Tinieblas y de lo que pienso yo de todo este tinglado.

-Hay que autoproducirse. Si quieres hacer cine, búscate la vida para ser tú, y sólo tú quien tenga el control sobre tu obra, porque de lo contrario te van a estar vacilando hasta que destrocen la película a su antojo.

Tal y como pinta la cosa esta hombre, parece que todo está mal, mal, mal, y que como un director vaya con la ilusión de ser creativo y hacer lo que le de la gana, se va a comer los cagaos, excepto unos cuantos privilegiados como Almodóvar, que se autofinancia sus película y por eso hace lo que le da la gana. Esto nos lleva al principio de este párrafo.

-También especialmente curioso el planteamiento de este hombre. No paguéis por ver cine español porque ya lo habéis pagado, dice. No sé que pensar exactamente, pero me parece de lo más lógico, pues si la inmensa mayoría de las películas españolas están financiadas con subvenciones (dinero público, vamos), ya las hemos pagado. Es decir, las películas hechas con dinero privado, y por las que si me parece justo pagar, equivalen a un porcentaje mínimo.

-Tinieblas ha comentado un par de cosas que yo llevo tiempo preguntándome y ahora me doy cuenta de que quizá encaje. Tuno Negro, según dice este hombre, fue un éxito e hizo dinero, pero sus directores no han vuelto a hacer nada, incluso habiendo sido una película rentable. ¿Qué sentido tiene esto entonces? Quizá lo que ha dicho Tinieblas. Eran tíos que no se callaban y que luchaban por su obra, y como no eran dóciles y mansitos, les dejaron terminar la película pero luego los vetaron de todas las formas posibles para que no hicieran otra película en su vida.

El caso más extremo creo que es el de Juanma Bajo Ulloa, que después de Airbag, la película española más taquillera de la historia durante unos cuantos años (hasta que Torrente la desbancó, imagino) no volvió a hacer nada conocido. Si, hizo Frágil ocho putos años después, pero no la conoce ni Dios, supongo que por falta de medios para proporcionarle una distribución y publicidad decente.

Pero ¿cómo es posible que un director que ha hecho una película con tanto éxito y que tanto dinero hizo en taquilla no vuelva a coger una cámara en su vida? Muy fácil, él luchó por su obra, no se cayó y quiso hacer la película que ÉL quería, y por eso le dieron larga y le cerraron todas las puertas.

¿Qué pasa en EEUU cuando un director hace buenas películas y tienen éxito? Que al año siguiente ya está haciendo otra, y al siguiente también. ¿Por qué? Porque aunque el tipo sea un borracho o un tirano, si hace buenas películas ya está cumpliendo. En otras palabras, se valora el trabajo artístico de un director, y aquí en España parece ser que no, y si encima te quejas y luchas por tu obra, quedas fuera de la industria y te dan por el culo.

¿Por qué El capitán Trueno, pudiendo haber tenido un director carismático y profesional como Juanma Bajo Ulloa (este iba a ser el director en un principio), acaba siendo dirigida por el que hizo El gran Marciano? Porque posiblemente será un tipo al que la película le sude los cojones y ni se moleste en reclamar nada ni en poner interés en hacer lo que quiere, porque lo que quiere no es hacer una película personal y bien hecha, sino cobrar el sueldo e irse a casa sin molestar a nadie ni decir esta boca es mía.

Yo lo tengo muy claro, si algún día me dedico al cine, haré películas muy pequeñas, de mínimos presupuestos, como lo que ha hecho hasta el momento Nacho Vigalondo o Koldo Serra.

Sinceramente, creo que meterse en una megaproducción es buscarte un follón y al final perder todo el control creativo sobre tu película. ¿Qué pasa si tiene un presupuesto pequeño? Que igual la productora no se acojona tanto y te da más libertad. No sé, son especulaciones mías, pero lo que si es cierto es que todos los nuevos directores españoles con talento se están largando a EEUU a hacer cine. Por algo será.

Estos temas me duelen, de verdad. Yo siempre, desde pequeñito, he querido dedicarme a algo mínimamente artístico y creativo, y si es cine, mejor que mejor. A mí el fútbol siempre me importó una mierda, y los pocos partidos que jugué (sin interés alguno) de pequeño fue por obligación de mi profesor de educación física, al que no le entraba en la cabeza que el fútbol y los deportes de competición en general me parecían la mamarrachada más grande sobre tierra.

Poco a poco me doy cuenta de que en este país, todo lo relacionado con el arte está enmierdado y lleno de obstáculos, en ocasiones absurdos, a más no poder, cosa que me parece tremendamente triste, pero es lo que hay. No digo que todos los productores sean tan cabrones como los describe Tinieblas, pero, admitámoslo, aquí el cine como arte no tiene relevancia alguna, algo lamentable, pues tenemos directores con talento y actores sobresalientes, y aún con toda la corrupción que existe se hacen buenas películas en este país (aunque algunos se empeñen en renegar del cine patrio, pero me da igual porque no tienen argumentos reales para ello, sólo prejuicios obsoletos), imaginad lo que se podría hacer si la industria cinematográfica española empezara a tomarse en serio a sí misma.

PD: perdón por el tochaco y la ausencia de fotos.

cuatro joyas de Buñuel

2011-10-04T19:43:00.000+02:00

Buñuel es uno de esos directores extremos que me gustan. Unos lo aman, otros lo detestan, y algunos sencillamente no soportan su cine por ser tan personal y único.

Los amantes de David Lynch y de sus atmósferas enrarecidas y siniestras se sentirán como en casa a la hora de ver algo de Luis Buñuel, pues ambos directores tienen numerosas cosas en común, pero también existen suficientes diferencias entre los dos como para afirmar que se parecen y al mismo tiempo no lo hacen. A partes iguales, en resumen.

No he visto toda la filmografía de este director, pero tengo que admitir que de momento todo lo que he visto me ha gustado muchísimo, tanto por lo que cuenta, por cómo lo cuenta y por sus bizarros argumentos, llenos de naturalismo y al mismo tiempo salpicados de elementos extraños.

Pasemos a comentar brevemente algunas de las películas de Luis Buñuel que, según mi humilde opinión, merecen ser reseñadas con mayor énfasis.

El ángel exterminador: Quizá la película más popular de este director, que como es costumbre suya arremete contra la clase burguesa, dando a conocer su peor cara y mostrándonos a los miembros de esta clase social como personas inhumanizadas.

La historia gira en torno a un grupo de burgueses que acuden a una sofisticada fiesta con sus mejores galas y sus mejores maneras. Sinembargo, a medida que pasa la noche, algo extraño ocurre. La gente que ha acudido a dicha fiesta no ve la hora de irse, y cada vez que piensan que ya es tarde y deben volver a casa, algo les hace retroceder y permanecer en la lujosa casa para disgusto del anfitrión.

Pasan los días y continúan encerrados sin razón lógica aparente, pero así es, y poco a poco se empezarán a perder los nervios y a mostrar su verdadera cara. La cara más alejada de los esmóquines y los modales refinados.

Ensayo de un crimen: Archibaldo es un niño que, por culpa de una tremenda confusión, llega a creer que tiene el don de matar a quien quiera con sólo desearlo. Cuando crece, esto se convierte en un verdadero problema para él, pues en realidad nunca consigue matar con sus propias manos, lo que hace que acabe frustrado y desesperado por su incapacidad para arrebatarle la vida a nadie. Magnífica, por cierto, la escena en la que Archibaldo, víctima de la absoluta frustración, "mata" un maniquí incinerándolo.

De nuevo, Buñuel crea un retrato deformado (o quizá no tanto) de la realidad, atacando otra vez a la burguesía, y de paso, confeccionando una comedia negra de corte surrealista.

Viridiana: Muchos han catalogado a esta fantástica película de blasfema y grotesca. Personalmente creo que tiene algo de eso, pero yo lo que veo principalmente es el retrato egoísta de una monja que, creyendo haber sido violada, trata de hacer el bien ayudando a los pobre con el fin de conseguir el perdón de Dios. Pero en realidad se podría decir que los pobres le importan un pimiento, ya que, como he dicho antes, su verdadero propósito es ser perdonada, es decir, actúa por puro interés, no por bondad.

Por otra parte, la película tira por tierra la clásica imagen del mendigo como un pobre viejecito sin cobijo ni nada que llevarse a la boca. En Viridiana se nos muestra a los pobres como alimañas egoístas y ruines que no dudan en abusar de la confianza de aquellos que les proporcionan un hogar, comportándose de una forma poco adecuada (como unos cabrones, vamos) y llegando a robar.

El discreto encanto de la burguesía: Efectivamente, Buñuel volvió a criticar ferozmente a la burguesía con esa película que trata principalmente sobre un grupo de ricachones acomodados que pierden la cabeza por mantener las apariencias, llenando sus vidas de hipocresía, corrupción y falso respeto.

¿El argumento? Un par de matrimonios acomodados intentan comer juntos en varias ocasiones, pero cada vez que se disponen a ello son interrumpidos de una forma absurda y descabellada. A destacar la escena inicial del restaurante, donde no pueden cenar porque el dueño del local ha muerto y su funeral se está celebrando ¡en el mismo comedor!

Buñuel abusa (para bien) del factor onírico durante el tramo final de la película, que es un constante sueño dentro de otro sueño, dando lugar a secuencias tan cómicas como perturbadoras. Curiosamente, el director John Landis homenajeó este fragmento en una escena de su película Un hombre lobo americano en Londres.

Cine de medianoche: The human centipede

2011-09-29T19:58:00.003+02:00

¿Gilipollez monumental o muestra del cine de terror de la nueva generación? Mucho se ha hablado ya de The human centipede, y hay opiniones para todos los gustos; unos la tachan de genialidad, otros de obscena y asquerosa y otros de tontería. Yo me he resistido a verla durante bastante tiempo, pero el otro día decidí averiguar de qué se trataba esto, y lo cierto es que ha pasado a convertirse en uno de mis títulos de culto.

La película de Tom Six nos cuenta como un cirujano loco que se cree Dios intenta crear un cienpiés humano conectando a varias personas fila, cosiendo el ano de uno con la boca del siguiente, siendo el resultado, como podréis imaginar, asqueroso y grotesco.

El filme recuerda levemente a los primeros trabajos de David Cronemberg, pero también hay reminiscencias a La matanza de Texas y a los cientos de películas de mad doctors protagonizadas por científicos o médicos locos con intenciones deleznables.

El villano de esta película no pretende dominar el mundo ni crear un ejército de zombies, sólo llevar a cabo una extrañísima y macabra operación quirúrgica con el único propósito de alimentar su ego y ser un poco más cabrón. Dicha operación, tal y como la explican en la película, tan detalladamente, llega a parecer perfectamente realizable.

Pese a lo que pueda parecer, la película no abusa del gore más de lo justo, de modo que no hay carnicerías ni planos explícitos de sangre y casquería, aunque cuando es necesario si que se enseña lo que hay que enseñar.

Técnicamente la película es correctísima, pero no nos engañemos, el guión no es nada del otro mundo, y su mayor baza no es otra que esa descabellada idea principal del cienpiés humano. Esto no quiere decir que la película no me parezca una pequeña joya del cine de terror moderno, y que para los que busquen algo sencillo, sin complicaciones ni dobles lecturas, The human centipede es perfecta por su ritmo, que no da descanso al espectador, y también por la inquietante interpretación de Dieter Laser, que da vida al terrible cirujano de forma contundente.

Por supuesto ya viene en camino una segunda parte que, al menos yo, no pienso perderme porque pinta, como mínimo, el doble de burra que su predecesora.

Troll hunter

2011-09-27T18:37:00.001+02:00

Hay una cierta tendencia a despreciar todas las películas tipo El proyecto de la Bruja de Blair que salen. Es decir, esas películas que tratan de hacerse pasar por grabaciones reales en las que somos testigos de fenómenos paranormales. El nombre técnico de esta tendencia o modo de plasmar en imágenes una historia de terror de forma ultrarrealista es mockumentary, aunque me parece un nombre bastante ridículo, y ya que estamos en España, lo llamaré falso documental, que es lo que viene a significar, vamos.

El falso documental tiene su origen en la película Holocausto Canibal, aunque hay quienes dicen que su verdadero inicio fue con Mondo Cane. Yo me quedo con la primera opción.

En fin, que me voy por las ramas. Últimamente he visto varios falsos documentales, como por ejemplo The Tunnel, El último exorcismo o El manuscrito Lovecraft, pero todos me han parecido bastante decepcionantes (aunque El manuscrito Lovecraft tiene más encanto, pero sólo para fans del genial escritor, como yo).

Este tipo de películas suelen jugar con la tensión, algo que a mí me afecta mucho, y por eso me gusta tanto este subgénero lleno de sustos a partir de nada, o de un simple sonidito quizá. Si que es verdad que al final vemos algo más, quizá al monstruo, extraterrestre o lo que sea, pero muy fugazmente. Esto tenía su gracia en El proyecto de la Bruja de Blair, que bajo mi extraño punto de vista es de lo mejor en cine de terror que he visto en mi vida, el problema es que cuando has visto varios falsos documentales en los que no se ve nada, ya te cansas.

Estoy de acuerdo en que asusta más lo que se sugiere que lo que se deja ver claramente, pero un poquito de espectacularidad tampoco viene mal.

Troll Hunter rompe los esquemas, pues combina el típico estilo documental con unos efectos especiales decentísimos, dónde no se cortan en enseñarnos a los monstruos protagonistas de la película.

En ese aspecto me recordó a Cloverfiel (otra joyita, al menos para mí), pero Troll Hunter va más allá a la hora de enseñarnos a los trolls y los destrozos que estos causan, y todo salpicado con algunas pinceladas de humor gamberrete que viene como anillo al dedo.

También hay elementos caricaturescos, como de cómic. Por ejemplo, esa armadura que se coloca el cazador, la gigantesca jeringa que usa para extraer una muestra de sangre a una de las bestias, la camioneta armada con un enorme flash luminoso y llena de pinchos para hacer frente a los monstruos, o el propio aspecto de estos.

El filme nos cuenta la historia de unos chavales que pretenden rodar un documental sobre la supuesta existencia de trolls en Noruega. Para ello, contactan con un supuesto cazador de estos monstruos para acompañarle en sus rondas nocturnas para ver si consiguen grabar algo interesante. Y lo hacen.

De esta manera nos sumergimos en la cara oculta de Noruega, un lugar peligroso donde, si no estás preparado, serás descuartizado por un troll chiflado y rabioso.

El cazador de trolls, que es quien guía a los chavales, resulta un personaje misterioso y huraño al principio, pero luego acaba cayendo simpático. Da la impresión de que mientras él esté cerca no pasará nada malo, pues se nos muestra como un experto en estos monstruos, que sabe bien dónde se mete y qué hace. Es este personaje quien explica la mayor parte de las dudas que podamos tener durante el visionado de la película ¿dónde se esconden los trolls durante el día? ¿Qué comen? ¿Son inteligentes? ¿Por qué se convierten en piedra al exponerse a la luz? Todas esas preguntas y otras cuantas se responden de forma más o menos lógica, resultando muy curioso como da la impresión de que hablan de criaturas completamente reales.

Como decía antes, Troll Hunter resulta especialmente entretenida debido a que no se nos oculta nada. No vemos a los monstruos al final, sino de primera hora y con todo lujo de detalles. Pero lo mejor es que cuando no salen trolls la película sigue siendo igual de divertida, ya que estamos prestando atención a las anécdotas y explicaciones del cazador, como si de una enciclopedia andante especializada en trolls se tratase.

El final, algo en lo que suelen fallar la mayoría de este tipo de películas, resulta de lo más digno y apropiado. Ese tenebroso paraje nevado, con los rugidos del gigantesco troll acercándose, ayuda a construir un final impactante, tenso y aterrador, aunque la cosa se suaviza un poco haciendo uso de un chiste final tan absurdo que me hizo gracia (como todo lo absurdo).

Cine de medianoche: Basket Case

2011-09-22T18:33:00.001+02:00

Es difícil tratar de sacar conclusiones metafóricas o incluso filosóficas de una película de terror gore como es el caso de Basket Case, pero en cierta medida las reseñas que afirman que esta película es una metáfora sobre el bien y el mal, nuestra parte más animal en contraposición a la racional, la cual lucha por evitar que la animal dé rienda a sus instintos más primarios y salvajes.

Básicamente ese es el argumento central de esta película; la historia de dos hermanos siameses que fueron separados contra su voluntad. Ellos son Duane, el hermano con apariencia normal, y Belial, una especie de cabeza horrible con brazos, colmillos y muy mala leche. Belial siempre va encerrado en una cesta de mimbre (salvo cuando se escapa) que su hermano Duane lleva a todas partes consigo.

No hace falta especificar quién de ellos representa la parte malvada que todo ser humano tiene en su interior.

Sobreanalizar una película de esta calaña puede ser divertido, incluso curioso, pero posiblemente en vano. Dudo que Frank Henenlotter, el director, tuviese la más mínima intención de ofrecer dobles lecturas ni un trasfondo Freudiano.

Basket Case no deja de ser una simple historia de venganzas con abundantes dosis de sangre, humor y bizarrismo, todo ello sin apenas presupuesto, cosa que podemos comprobar apreciando los pobres (pero entrañables, como siempre) efectos especiales, las lamentables interpretaciones y, en definitiva, la torpeza visual de un director inexperto pero con ganas de enseñarnos su obra y contarnos una historia por muy extravagante que esta sea, haciendo frente como un campeón a la ausencia total de recursos económicos.

Henenlotter rodó esta película con una cámara de escasa calidad, grabando en algunos lugares sin permiso, al estilo guerrilla. Todo esto le da a la película una ambientación sucia y demacrada, como la vida misma, y es un detalle que le sienta verdaderamente bien a una película de este tipo. Basket Case está a medio paso de ser un filme amateur, si es que no lo es del todo.

Como he dicho antes, los efectos especiales destacan por lo cutres que resultan, aunque no por esto dejan de ser efectivos. Hay una secuencia realizada en stop-motion que me sacó una sonrisa, primero por el aspecto de Belial, que en parte resulta aterrador y cómico a partes iguales, y luego por lo mal hecha que está dicha secuencia, algo totalmente comprensible tratándose de un filme de escasísimo presupuesto. Además, siempre he visto una belleza especial en estas producciones tan desastrosas, tanto a nivel interpretativo, como técnico y argumental.

No puedo evitarlo, siento predilección por los directores de cine que sacan adelante su película, enfrentándose a toda clase de obstáculos, incluyendo el peor de todos ellos: la falta de dinero.

Hacer una película por amor al arte, a sabiendas de que puede que no consigas recuperar ni un céntimo de todo lo que has invertido de tu propio bolsillo, me parece la mayor expresión de cariño hacia el séptimo arte que se puede dar.

El caso Slevin

2011-09-19T19:30:00.000+02:00

En multitud de ocasiones he visto como grandes películas que se alejaban de los topicazos del cine comercial pasaban desapercibidas por las grandes pantallas, haciendo una taquilla ridícula. Aclaro que la taquilla que haga una película me importa un pimiento, pues hay habido éxitos, como la sobrevaloradísima Avatar, que han recaudado millones y millones, y a mí me dejaron frío como el hielo.

¿Es esto culpa de los espectadores, que aún quejándose de la falta de originalidad del cine actual, pasan olímpicamente de los títulos valientes que tratan de ser distintos e innovadores? Cada vez estoy más convencido de ello. Mucho quejarse, pero a la hora de la verdad, la mayoría del público prefiere los refritos y el cine vacío y simplón antes que probar cosas nuevas.

Con El Caso Slevin pasó algo similar a lo que comento arriba. No es que esta película sea un ejemplo de originalidad, porque tampoco se puede decir que invente nada que no hayamos visto ya, pero si que se aleja considerablemente del cine que está de moda a día de hoy, acercándose mucho más al estilo clásico de los 60 y 70, incluso al cine de Alfred Hitchcook. Sería incongruente no decir que también tiene elementos de Tarantino o Guy Ritchie, pero sin llevarlos al extremo caricaturesco exagerado de esos dos directores.

Por otra parte es imposible negar la influencia de mí idolatrado Sergio Leone y su Por un puñado de dólares, ya que el juego a dos bandos es algo que está presente en El caso Slevin de principio a fin, lo que le da al conjunto un leve aire de western urbano.

El director, Paul McGuigan, venía de dirigir otro film de gángsters , en concreto, la película Gángster number one, de la cual copió algunos recursos que después usaría en la muchísimo más pulida, entretenida y perfeccionada El caso Slevin, película que nos cuenta la historia de una confusión de identidades. Es algo así como El gran Lebowski, pero con mafiosos y pistolas.

McGuigan hizo una película realmente elegante y bien rodada, cuyos detalles artísticos están calculados al milímetro (el papel de las paredes del piso de Slevin, o las ropas de los personajes). Es una película que estéticamente se nota que ha sido muy cuidada, quizá para darle un aire retro, o quizá porque al director le gustaba que todo tuviese el aspecto que a él le diese la real gana (como debe ser).

Siendo una película de mafia uno espera encontrarse algo violento, y así es, porque a la hora de mostrarnos escenas de violencia resulta directa e impactante, sin demasiadas contemplaciones. No es que se abuse de este recurso, pero el filme sabe ser crudo cuando debe serlo, de la misma manera que también encuentra momentos para resultar conmovedor y cómico.

El reparto no puede ser más completo, pues está plagado de estrellas y caras conocidas. Bruce Willis, Josh Harnett, Morgan Freeman, Lucy Liu, Ben Kingsley y Stanley Tucci dan vida a los protagonistas principales de esta historia de venganza y traiciones.

Luego está el final, que merece una mención especial. Por supuesto no voy a desvelarlo, ya que me gustaría que los que viesen la película por primera vez queden igual de sorprendidos e impactados que yo cuando vi ese maravilloso final que durante unos diez minutos no hace otra cosa que regalar al espectador una sorpresa tras otra. He leído muchas críticas de gente que acusa a esta película de ser previsible, pero a mí me cogió completamente por sorpresa, y ni muchísimo menos me esperaba ese final. Puede que cuando la vi tuviese el día tonto, pero a mí me dejó boquiabierto, y eso es lo que cuenta, más aún cuando hoy en día es difícil dar con una película que consiga sorprender.

Pero independientemente de si el final consigue sorprender o no, El caso Slevin sigue siendo una muestra de buen cine, magníficamente realizado y lleno de buenas interpretaciones.

Aventuras en la Brigada del rifle

2011-09-15T19:45:00.000+02:00

Hace unas semanas, dándome una vuelta por la fnac de Málaga, me topé con un tomo titulado Aventuras en la brigada del Rifle. Jamás había escuchado hablar de este cómic, pero nada más ver el nombre de Garth Ennis en la cubierta mi atención se centró en el tebeo que, nada más abrirlo, me recordó a Malditos Bastardos, de Quentin Tarantino. Imaginé que se trataba de un producto sacado a raíz de la película, aprovechando el tirón comercial del mismo modo que aprovecharon para editar en una edición decente de la película Aquel maldito tren blindado, en la cual Tarantino se inspiró para escribir y rodar su esperpéntica historia sobre nazis puteados. Y en esta ocasión, no me extrañaría que el director de Pulp Fiction se inspirara levemente en La brigada del rifle, pues se publicó siete años antes del estreno de la película.

Evidentemente me compré este cómic, ya que todo lo que tenga que ver con Garth Ennis me parece brillante, y más tratando sobre un tema bélico, pues Ennis ya ha demostrado en cómics como Bloody Mary que este género le gusta. Y no lo digo, lo dice él, que se declara un fan del cine de guerra.

La historia gira en torno a un grupo de soldados británicos de élite llamado La brigada del rifle, cuya principal misión es la de causar estragos entre las temibles tropas nazis.

Con un humor negrísimo y socarrón que recuerda poderosamente a la novela La sombra del Águila, de Arturo Pérez Reverte, Garth Ennis nos presenta a este grupo de soldados extremadamente orgullosos de ser británicos y con muy mala uva que se las tendrán que ver, entre otras cosas, con nazis duros de pelar, capaces de hacerse estallar una granada en la boca sin sufrir daños, o presenciar como el vehículo en el que van es violado por un elefante.

Además del humor negro y absurdo, el lenguaje soez y la considerable cantidad de violencia, el cómic se burla de los tópicos del cine bélico y caricaturizando al clásico héroe de guerra con sangre fría y los cojones bien puestos, pero incapaz de darse cuenta de que uno de sus hombres es homosexual y le ama en secreto, pese a tirarle los tejos de una forma absolutamente explícita en varias ocasiones a lo largo del cómic. Personalmente es uno de los chistes que más gracia me hizo ya que, cada vez que se repetía, las proposiciones eran más directas y pervertidas, pero ni por esas se daba cuenta de que lo estaban intentando seducir.

Otra de las parodias que hacen es referente a la legendaria lanza de Longinos, esa que según cuenta fue la que atravesó el costado de Jesucristo durante la crucifixión, y que el ejército que posea dicha preciada reliquia podría ganar cualquier guerra, o incluso dominar el mundo

En el cómic se sustituye la lanza de Longinos por el cojón perdido de Hitler, que al parecer tiene los mismos poderes.

El dibujo del zaragozano Carlos Ezquerra no hace más que engrandecer esta pequeña joya del humor negro y la sátira bélica, que gustará todos aquellos que disfruten con la deformación de la historia mediante elementos surrealistas, salvajes y grotescos.

Villanos

2011-09-12T11:00:00.003+02:00

No es que el lado oscuro me haya seducido, ni que me guste ir por ahí jodiendo al personal, pero siempre, absolutamente, he sentido predilección por los villanos, ya sean de cine, cómics o novelas. Algunos me han parecido patéticos y por lo tanto he preferido al héroe de la función, pero en la inmensa mayoría de los casos me atrae más el antagonista. Su modus operandi, sus motivaciones, sus fechorías y su final son los elementos en los que me fijo siempre que conozco a un nuevo villano.

Por esta razón me gustan más las historias en las que el villano es el protagonista, quedando el héroe casi en segundo plano. Películas como El caballero oscuro, American Psycho, y cómics como Wanted son el ejemplo perfecto de lo que hablo.

Vamos ha hacer un pequeño repaso a los malos malísimos que más me han gustado y mayor carisma derrochan.

Patrick Bateman: su nombre es sinónimo de locura. Si buscamos en el diccionario la palabra “grillado”, posiblemente aparezca el nombre de este indeseable, fruto de la retorcida y satírica imaginación del escritor Brett Easton Ellis en la novela American Psycho, adaptada al cine años después.

Bateman representa los peor de los años ochenta; el vicio, los excesos, la frivolidad y el materialismo llevado a límites enfermizos, y por si eso no fuera poco, nuestro ejecutivo favorito disfruta matando, violando, mutilando y practicando el canibalismo y la necrofilia.

Anton Chigurh: El origen de este personaje nace en la novela No es pais para viejos, de Cormac McCarthy, que también fue adaptada al cine años después por los Hermanos Coen.

Chigurgh, a excepción de la apariencia física, no responde a las características de un ser humano, sino a las de una plaga bíblica. El tío va arrasando, matando a todo ser viviente por el simple hecho de cruzarse en su camino. Es algo así como la versión tejana de Terminator, pero aún con menos motivos para asesinar.

Es imposible razonar con él e intentar hacerle ver que está como una puta cabra, aunque dudo que, de entenderlo, le importase un bledo.

Coronel Hans Landa: Este personajillo protagonizó la última película de Quentin Tarantino, Malditos Bastardos. Digo protagonizó porque de todos los personajes era sin duda el más importante, carismático y gracioso, pese a lo cabrón que resultaba. Pero ¿cómo puede ser tan hijoputa un hombre culto, simpático, poliglota y risueño? Pues lo es.

Este hombre posiblemente sufriera algún tipo de trastorno bipolar y un gusto casi fetichista por jugar con su víctima antes de cepillársela, de la misma forma que un gato juega con un ratón antes de comérselo.

Hans Landa disfruta llevando la delantera de su rival y regodeándose de lo que él sabe y el otro no, de modo que, en otras palabras, le puede tomar el pelo como le da la gana antes de mandarlo fusilar.

El teniente: protagonista absoluto de la película Teniente corrupto, de Abel Ferrara, estrenada en 1992 y que para mí es una absoluta joya.

Drogadicto, alcohólico, corrupto y abusón son los adjetivos que definen a este indeseable policía que ya no puede caer más bajo, y que, posiblemente, cuando llegue el día en que se arrepienta de todo lo que ha hecho será demasiado tarde.

El personaje en sí no es un villano propiamente dicho, más bien es un héroe podrido. Alguien que tiempo atrás debió ser el orgullo del cuerpo de policía, pero que los años y los vicios han convertido en un despojo humano sin escrúpulos.

El coche: De la película Asesino Invisible nos llega este curioso villano motorizado. Si, es un coche, pero un coche sin origen de procedencia que de un día para otro aparece en los alrededores de un pueblecito tejano y comienza a sembrar el terror matando a todo Dios. Lo más curioso quizá es que dentro no hay conductor alguno, por eso digo que el villano es el coche en sí mismo.

No se una película demasiado conocida, pero para que os hagáis una idea, se podría decir que es un cruce entre Tiburón, El diablo sobre ruedas y El exorcista. Ahí queda eso.

De momento dejo aquí la lista, pero un día de estos en los que no se me ocurra sobre qué escribir añadiré unos cuantos cabroncetes más.

Carretera perdida

2011-09-09T00:38:00.003+02:00

Mi relación con David Lynch es de puro amor odio. Por una parte me fascina esa capacidad suya para crear ambientes oníricos, recargados y llenos de simbolismo. Desde que tengo uso de razón me ha gustado lo surrealista, extraños y perturbador, por eso cuando vi mi primera película de Lynch (Terciopelo azul) pensé ¿dónde has estado todo este tiempo?

Por otra parte admito que su cine me cansa. Creo que ver una película de David Lynch equivale a hacer una hora de ejercicio, y de hecho, soy incapaz de tragarme dos películas suyas de golpe, sin dejar que entre una y otra transcurran unos días. Es verdad que tiene algunos trabajos más fácilmente digeribles, como Terciopelo Azul o El hombre elefante, pero ver en sesión continúa, por ejemplo, Inland Empire y Mullholland Drive debe hacer que el cerebro del espectador se convierta en serrín o le produzca un estado alterado de conciencia irreversible. Pese a todo, adoro a David Lynch.

El error que mucha gente comete, y por eso existen tantos detractores de este director, es intentar entender al 100% las obras más enrevesadas y simbólicas de Lynch, pues en ocasiones resulta imposible, y la única opción viable es deleitarnos con las sugerentes imágenes y la estimulante música de sus películas, sin intentar buscarle sentido a cada fotograma.

Carretera perdida es un filme que casi podría considerarse como cine negro pasado por el filtro Lynchniano, añadiéndole unas buenas dosis de surrealismo y unas gotitas de terror y suspense.

Cada persona que ve esta película saca sus propias conclusiones (o la quita a la media hora), y siempre suelen ser abismalmente distintas. Yo soy de la opinión de que el verdadero significado de la película sólo lo conoce el propio director, pero me inclino a pensar que toda la película es una alucinación producida por la enferma mente de su protagonista, que sufre esquizofrenia. Este detalle casi que se puede deducir por la letra de la canción Im Deranged, de David Bowie, que suena durantes los créditos inicales.

En otras palabras, la confusión que sentimos nosotros como espectadores al no saber qué demonios está pasando es la misma que debe sentir el protagonista al verse sumergido en submundo confuso e irreal.

Pero ¿de qué va todo esto? Veamos, Fred (Bill Pullman) es un saxofonista casado con una mujer (Patricia Arquette) con la que no mantiene una relación demasiado plena sexualmente hablando. De hecho, se nos da a entender que Fred disfruta más tocando el saxofón que acostándose con su mujer, pero eso son conjeturas mías.

La cuestión es que el matrimonio empieza a recibir en su casa unas misteriosas grabaciones en las que aparece la fachada de su casa. No le dan demasiada importancia hasta que reciben otra grabación en la que aparece el interior de la casa, incluso su dormitorio. Hasta este punto parece que estamos ante una película similar a Caché, de Michael Haneke, pero os aseguro que luego la cosa se complica mucho, y ni el protagonista ni nosotros mismos sabremos a ciencia cierta qué es real y qué pura distorsión.

Carretera perdida es una película que invita a revisarse, pues está llena de detalles y momentos sutiles que no captaremos viéndola una sola vez. Yo mismo he conseguido sacar algunas cosas en claro, y teniendo en cuenta que la primera vez que la vi no entendí un carajo, podría decirse que es un adelanto.

No es una película que recomiende a nadie, salvo a aquellos a quienes os gusten los rompecabezas audiovisuales y experimentar con el cine, descubriendo cosas nuevas y diferentes. Los que prefiráis un cine más común y corriente, alejaos de Carretera perdida.

A mí personalmente me parece una de las mejores películas de David Lynch, que pese a no conseguir entenderla del todo me transmite más que otros filmes de fácil digestión, y en eso ayuda mucho la misteriosa ambientación que Lynch crea, así como la galería de personajes y situaciones rocambolescas que hacen que la película transcurra en una dimensión paralela a la nuestra.

Otro de los aspectos a destacar es la interesante banda sonora compuesta por Angelo Badalamenti, un habitual en el cine de David Lynch, pero también encontramos temas de David Bowie, Lou Reed, Smashing Pumkins, Ramnstein y Marilyn Manson, quien además tiene un pequeño papel que le viene como anillo al dedo.

Freeway

2011-09-06T19:18:00.000+02:00

Hace unos meses hubo cierto revuelo debido al estreno de una nueva adaptación del clásico cuento de Charles Perrault, Caperucita Roja, aunque esa nueva versión estaba destinada a un público muy específico; el adolescente, y si es femenino, mejor. Es una película que resulta decepcionante, por mucho que quisieran venderla como una nueva versión más oscura y gótica. Obviamente el resultado no tiene nada que ver con eso, sino que se trata de la típica historia de amor pastelosa y aburrida mil veces vista, de modo que nada de nada.

Sin embargo, en 1996 vio la luz una violenta adaptación del famoso cuento ambientada en el presente y enfocada hacia un público adulto. Aunque el principal hilo argumental se inspira claramente en el texto de Perrault, en realidad se trata de un filme policíaco de corte realista, aunque no falta el humor negro y el lenguaje malsonante.

Evidentemente Freeway contiene la misma moraleja del cuento; no te vayas con desconocidos. En este caso, el "lobo" es representado como un peligroso psicópata violador, interpretado por Kiefer Sutherland.

La caperucita de la película se llama Vanesa, interpretada por Reese Witherspoon, una chica de barrio analfabeta, malhablada y problemática (lo que hoy en día sería una cani o choni, vamos), de padre drogadicto y madre prostituta.

Es curioso como la película consigue que tanto la protagonista como el villano te caigan realmente mal. Él por ser un violador asesino, y ella por ser una joven delincuente, agresiva y odiosa.

Toda la película, a pesar de tener un tono medio realista, está llena de situaciones caricaturescas y exageradas que rozan el esperpento.

Los personajes, como he dicho antes, no suelen caer bien, a excepción de los dos inspectores de policía que siguen el caso del violador, los únicos que no dan ganas de matarlos.

La película está producida por Oliver Stone, y francamente, me hubiese encantado que la dirigiese él mismo con el estilo videoclipero y frenético de Asesinos Natos. Pero no, la película está dirigida por Matthew Bright, quien hace un trabajo decente pero sin carisma ni personalidad. En otras palabras, Freeway hubiese ganado muchos enteros de haber estado en manos de un director más talentoso.

Amanda Plummer y la fallecida Brittany Murphy tienen dos pequeños papeles, y Danny Elfman y Tito Larriva se encargan de la banda sonora.

Cine de medianoche: Mil gritos tiene la noche

2011-09-02T20:19:00.002+02:00

El slasher es un género al que en más de una ocasión se le ha intentando dar una vuelta de tuerca para salir de la monotonía de este tipo de películas con más o menos éxito. Ahí tenemos ejemplos como Muñeco Diabólico o la más reciente Death Proof, filmes en los que se ha intentado aportar algo nuevo a un género terriblemente castigado por el paso de los años, no porque las viejas películas hayan envejecido mal, sino porque la falta de innovación ha hecho que el slasher resulte aburrido y predecible, y más aún en los tiempos que corren.

Juan Piquer Simón estrenó Mil gritos tiene la noche en 1982, y si bien no es una mina de novedades y recursos ingeniosos, resulta un slasher curioso, demencial, cutre y divertidísimo.

La historia gira en torno a un misterioso psicópata armado con una motosierra que se dedica a sembrar el pánico en el campus de una universidad debidamente plagada de jóvenes descerebrados con las hormonas por las nubes, algo indispensable en este tipo de películas.

La premisa de Juan Piquer no resulta, como he dicho antes, especialmente novedosa, pero si analizamos superficialmente esta película descubriremos que es fruto de la influencia de anteriores films de éxito como La matanza de Texas, La noche de Halloween o los giallos de Darío Argento, pero llevados a un nivel superior de locura cinematográfica y una absoluta falta de elegancia y sutileza. ¿Es esto malo? Depende de lo escrupulosos que seamos y de nuestro de nivel de refinamiento en lo que al cine se refiere, ya que si le ponemos esta película a un estirado crítico de cine, lo más seguro es que nos vomite el almuerzo en la cara, pero para alguien abierto de mente, que disfrute más con el fondo que con la forma, Mil gritos tiene la noche será como una golosina.

Si que es verdad que hay escenas realmente penosas, como la del karateka o esa en la que la coprotagonista empieza a gritar furiosamente “¡¡bestiaaa…. bestiaaa!!”, pero en conjunto son secuencias y momentos que no echan a perder el resultado final, sino que le otorgan un aire más chiflado y encantadoramente cutre a una película que tampoco pretendía marcar un antes y un después en la historia del cine.

Pero atended al final de la película, por favor. Es algo sumamente fuera de lugar y absurdo, como si el guionista hubiese pensado “esto tengo que meterlo por cojones, aunque sea una meada fuera de tiesto”, y la verdad es que no viene cuento, pero ¡qué coño! yo no me lo esperaba, de modo que el final es otro punto a favor.

mis peores películas favoritas; segunda ronda

2011-08-31T20:08:00.001+02:00

Hace un puñado de semanas que me animé a hacer una pequeña lista con las películas más cutres y bochornosas que se me han puesto por delante y que, pese a todo, me gustan mucho.

Creo que comenté tres o cuatro, y aún me quedan muchos títulos en el tintero como para escribir unas cuantas entradas más de este tipo, pero de momento os dejo tres nuevas “joyas” del séptimo arte.

Cinéfilos, alejaos.

Shock Waves: creo que se trata de la primera película protagonizada por zombis nazis, algo que casi podría considerarse un subgénero dentro de la serie B. La historia nos cuenta como los tripulante de un barco naufragan en una isla cuyo único habitante es un viejo oficial nazi (interpretado por un Peter Cushing venido a menos) y su banda de súper soldados zombis que le harán la vida imposible a esta pobre gente.

Que nadie espere una película con buenas muertes ni gore, ya que me parece que el director no tenía ganas de complicarse la vida con prótesis y sangre falsa, de modo que todos los asesinatos son llevados a cabo ahogando a las víctimas.

Puntos a favor: pese a la poca calidad de la película, resulta entretenida y claustrofóbica, dura poquito y no cansa.

Zone Troopers: Seguimos con nazis de por medio. En este caso un comando de soldados americanos durante la Segunda Guerra Mundial se topa con algo que no esperaban. Los nazis mantienen secuestrado a un extraterrestre con el fin de experimentar con él, pero los americanos lo rescatan y se alían con el bicho para que les ayude en su misión contra los nazis.

Como podéis comprobar, el argumento es una absoluta gilipollez como un castillo de grande. Es como mezclar E.T con Malditos Bastardos y quedarte tan ancho.

Puntos a favor: Pese a todo no es tan mala como pueda parecer a primera vista. Vale que el argumento es una ida de olla, pero luego encontramos una película muy divertida y sorprendentemente bien rodada para ser lo que es. Otra cosa que tengo que decir a favor de Zone Troopers es que, por supuesto, no se toma en serio a sí misma ¡estaría bueno!

La novia de Chucky: con esta me pasó exactamente igual que con Jason X. La primera vez que la vi me quedé en estado de shock, renegando de ella para siempre, pero de repente, mucho tiempo después, me dan ganas de volver a verla... y me lo paso en grande.

Esta película resulta muy inferior a todas las entregas anteriores, pero al cambiar el tono terrorífico por uno más cómico y paródico, casi se podría decir que pertenece a una saga diferente.

Puntos a favor: Muy divertida, como suele pasar con este tipo de películas.

Como he dicho antes, más que una película de terror es una comedia llena de humor gamberro y diálogos que resultan descojonantes, sobre todo cuando el muñeco y la muñeca discuten y se tiran los trastos a la cabeza. Atención al macabro homenaje que hacen a Hellraiser.

El clavo

2011-08-29T20:25:00.004+02:00

Steve Niles y Rob Zombie unieron fuerzas, y sus desquiciadas mentes, para traernos este violento y sangriento cómic protagonizado por un campeón de lucha libre apodado El Clavo, que pretende retirarse de ese mundillo y centrarse en ser un buen padre y esposo. Pero la cosa no será fácil, pues una noche él y su familia serán atacados por una banda de moteros satánicos procedentes del mismísimo infierno.

Rob Zombie es un artista muy prolífico, ya que lo mismo te saca un disco de música, una película o, en este caso, un cómic. En mi caso, le prefiero en sus dos últimas vertientes, sin desmerecer su música, que tampoco me desagrada.

Cualquiera que haya visto la filmografía de Rob Zombie se dará cuenta de que este señor tiene especial fijación por los años setenta y la fiebre satánica de aquella época, en la que tanto tuvo que ver el, por desgracia, célebre Charles Manson.

El Clavo no iba a ser menos, y de nuevo plasma su visión de aquel fenómeno con un argumento puramente satánico, aunque repleto de acción y gore. Se podría decir que este cómic es una mezcla entre Mad Max y Carrera con el Diablo, aderezándolo con violencia explícita, sangre y elementos fantásticos.

Con Los Renegados del Diablo (mi película favorita de Rob Zombie hasta la fecha) hizo algo muy parecido a lo que se puede leer en El Clavo, con la diferencia de que la película está narrada desde el punto de vista de los asesinos, al contrario de lo que ocurre en el cómic. Sin embargo no se trata de una adaptación ni mucho menos, sólo de un símil entre dos obras del mismo artista.

En el dibujo tenemos a Nat Jones, con ese estilo sucio y casi tridimensional, detalle que se acentúa en los momentos más gore, con chorros de sangre y decapitaciones que parecen que se van a salir de las páginas.

Al poco de ponerse el cómic a la venta se habló de una posible adaptación al cine, pero parece ser que el proyecto ha caído en el olvido, con lo interesante que hubiese sido ver las aventuras de El Clavo en una película dirigida por el propio Rob Zombie y con una estética idéntica a la vista en Los Renegados del Diablo. En fin, otra vez será.

Ravenous

2011-08-25T20:01:00.000+02:00

El otro día le comenté a alguien que tenía muchas ganas de ver la película Cowboys & Aliens. La reacción de esta persona fue llevarse las manos a la cabeza ante semejante mezcla, y decirme que meter elementos fantásticos en una película del oeste no era creíble. Lo curioso es que no es la primera persona que me dice esto, como si una película que transcurriese en esa época histórica tuviese que tratar sobre indios y vaqueros por narices.

Evidentemente es algo que me parece una soberana gilipollez, ya que se trata únicamente de un periodo histórico, y una película/libro/cómic de ficción es eso, ficción, así que poco importa la época en la que transcurra. Es algo tan obvio que no sé ni por qué lo estoy explicando.

La película de la que voy a hablar hoy es una de esas que, supuestamente, sólo podría tratar sobre duelos, diligencias y tiroteos, pero no. Esos temas no tienen cabida en Ravenous.

Es un western único, al igual que la estupenda Los cuatro del Apocalipsis, de Lucio Fulci, por romper todos los esquemas de este género.

Ravenous gira en torno a la leyenda del wendigo, un ser mitológico propio de los indios americanos que ya fue tratado por H.P Lovecraft en sus mitos de Cthulhu, entre otros.

El argumento cuenta como un grupo de soldados americanos son atacados por un extraño personaje con claras tendencias caníbales, y cómo estos luchan por sobrevivir.

Ravenous tiene a mitad del metraje un giro argumental que resulta bastante desconcertante, y hasta que no vuelves a coger el hilo cuesta volver a saber qué está pasando, pudiendo crear confusión entre lo que es real y lo que no. Aunque creo que esto es parte del juego al que el guionista quería someter al espectador.

Otro de los aspectos fantásticos con los que cuenta la película es la idea de que consumir carne humana nos libra de cualquier mal, incluyendo la muerte. Gracias a este curioso concepto se crean varias situaciones en las que la moralidad de los personajes es puesta a prueba. Comer o morir, en eso se resume todo.

Hay quien se ha quejado por el extraño tono de la película, ya que en ocasiones parece que estamos ante un film de terror con bastante sangre, y en otros momentos da la impresión de ser una especie de comedia violenta por esos golpes de humor que desentonan un poco, pero a mí realmente no me han molestado.

Como he dicho antes, Ravenous es un western atípico que puede gustar o no, pero dudo que deje indiferente a nadie. Es una película única, con una cuidada ambientación y una “magia” que la hace muy especial. En esto último contribuye la maravillosa banda sonora de Michael Nyman y Damon Albarn.

En el reparto tenemos a Guy Pearce y Robert Carlyle llevando todo el peso de la trama y ofreciendo una gran actuación, especialmente Robert Carlyle, que en cierta medida hace dos interpretaciones completamente distintas.

Crank

2011-08-22T20:34:00.001+02:00

El cine de acción, siempre y cuando cuente con protagonistas carismáticos y no aburra, es un género que me encanta, y si además me topo con una película de acción que no se parezca a nada que haya visto antes, entonces ya me tiene absolutamente ganado.

Si una película pudiese drogarse, Crank iría hasta las cejas de cocaína, porque pocas cintas de acción he visto con el frenetismo y el ritmo constante de esta.

La historia nos cuenta como Chev Chelios (Jason Stathan), un matón de poca monta, es envenado por un mafioso, y que para sobrevivir al mortal veneno y mantenerse vivo hasta poder llevar a cabo su venganza necesita que su organismo produzca adrenalina.

Esto desencadena una oleada de sucesos violentos en Los Ángeles, donde Chelios se va metiendo constantemente en problemas y buscando cualquier forma de disparar sus niveles de adrenalina mientras sigue la pista de su enemigo.

Lo primero que llama la atención en esta película es su frenético montaje lleno de efectos, rebuscados ángulos de cámara, mucha sangre, violencia gratuita y humor negro.

Su guión no es la gran cosa, de hecho es una mierda, plagado de personajes estereotipados y vacíos, pero lo que los refinados críticos de cine no entienden es que las películas como estas no necesitan nada de eso, ya que son puro y honesto divertimento de fácil digestión. Aún así, considero que Crank es bastante superior al resto de películas de acción actuales, aunque sólo sea por su ingeniosa propuesta y por los varios momentos descacharrantes que nos ofrece, especialmente uno relacionado con Al Qaeda, o la secuencia que cierra la película.

Jason Stathan, que es un actor que me resulta especialmente simpático, está perfecto como aunténtico antihéroe agresivo y respondón, en la línea del mejor Bruce Willis. El problema de este hombre es que haga la película que haga, siempre interpreta al mismo personaje, pero igualmente me sigue pareciendo un actor perfeto para este tipo de trabajos.

Tres años después se estreno la segunda parte, Crank: alto voltaje, inferior a la original, pero igualmente divertida. Se puede decir que en la secuela quisieron llevar a más el desenfreno de la primera película, pero teniendo en cuenta que esta era ya absolutamente frenética y demencial, iba a ser difícil conseguirlo… pero lo consiguieron.

El problema es que el resultado ya fue demasiado exagerado y absurdo, puro esperpento. Tiene buenos momentos, claro, pero por el contrario nos encontramos ante otras escenas que resultan excesivamente bizarras y caricaturescas, y lo que es peor, pierde el factor sorpresa y la novedad que ofrecía la primera entrega de la saga.

Aún así resulta igual de entretenida que su predecesora, y sumando esto a una duración bastante escasa, seguimos teniendo una película que se deja ver, incluso habiendo bajando considerablemente el listón.

Tú me has matado

2011-08-18T19:08:00.002+02:00

El debut de David Sánchez como dibujante y guionista de cómics no puede ser más fresco e inquietante que este Tú me has matado, un tebeo sugerente y extraño, violento y obsceno a partes iguales.

Pese a que el 99% de las reseñas que podemos leer sobre este cómic lo comparan con el cine de David Lynch, pero yo no lo veo así. Creo que es aún más extraño, y que se asemeja más a Alejandro Jodorowsky en películas como El topo o La montaña sangrada, añadiéndole unas gotitas de Quentin Tarantino y sus locos y, a la vez, cotidianos diálogos.

El argumento es completamente no lineal, y sabiendo esto diré que los protagonistas son unos policías corruptos, una secta satánica y un par de mormones más raros de lo que puede parecer en un principio.

Estos personajes se mueven por unos Estados Unidos surrealista, lleno de gente inhumana (en todos los sentidos), y donde todo gira, en mayor o menor medida, en torno a las creencias religiosas, ya sean cristianas o satánicas.

Por el aspecto de los coches, yo diría que Tú me has matado está ambientado en los años 50 o 60, pero es un dato que no revelan, aunque tampoco es algo crucial.

Hay mucha violencia y mucho perturbado mental suelto, y aunque no llegue ni por asomo al nivel de sadismo y mala leche de la obra de Miguel Ángel Martín, no deja de resultar explícito y, en ocasiones, macabro.

El dibujo, de trazos limpios y claros, es un aspecto que me ha gustado mucho pese a su simpleza, sin grandes alardes gráficos ni buscando la espectacularidad barata. La mayoría de las viñetas son del mismo tamaño, y los personajes parecen estáticos, como si apenas se moviesen, pero yo no veo eso como algo malo, todo lo contrario. Le da un aire de quietud y tranquilidad constante, aún sabiendo que de un momento a otro habrá una explosión de violencia, una castración o alguna otra escena truculenta.

El guión, como he dicho antes, no es nada lineal. No hay buenos y malos, protagonistas y secundarios. Aquí todos son protagonistas, ya que es una historia coral, y lo de buenos y malos, mejor lo dejamos, porque todos los personajillos que pululan por este tebeo son unos grandísimos hijos de puta.

La violencia resulta totalmente explícita, salvo en algunos momentos en los que permanece fuera del ojo del lector, supongo que para evitar dolores en la entrepierna de los lectores masculinos.

Pero no es un cómic demasiado violento, ni demasiado soez, ni demasiado nada. Sabe quedarse en ese punto intermedio en el que consigue que te lleves las manos a la cabeza, pero sin exagerar ni queriendo llamar la atención de forma gratuita.

Muy recomendable.

La guarida del gusano blanco

2011-08-16T19:52:00.007+02:00

Bram Stoker es uno de esos escritores que son conocidos por un único libro, Drácula en este caso. Sin embargo, Stoker tiene por ahí otros trabajos infinitamente menos conocidos que la novela del vampiro más famoso de la historia. La madriguera del gusano blanco es uno de esos libros, además de ser su última obra antes de morir.

Al parecer, Stoker escribió esta novela bajo la influencia de sustancias alucinógenas, de ahí que en ocasiones resulte tan psicodélica y extraña.

De todas maneras, de lo que quiero hablar es de la película, dirigida por Ken Russell y estrenada sin pena ni gloria en 1988.

Tratándose de una adaptación de una novela de Bram Stoker, uno espera encontrar vampiros, ya que es un autor irremediablemente asociado a esta temática, pero lo cierto es que la historia se asemeja más a algún relato de Lovecraft, pues el tema de los ritos, las viejas leyendas y la adoración y cultos a seres primigenios está muy presente.

El argumento gira en torno a un ricachón inglés con un antiguo antepasado medieval que, al parecer, mató a una gigantesca serpiente blanca que aterrorizaba el lugar. Sin embargo, entre los lugareños, se empieza a comentar que dicha serpiente sigue rondando la zona, y que ya lleva varias víctimas a sus espaldas.

Ken Russell hizo una película de terror bastante convencional, pero es imposible negar que dentro de esa “normalidad” existen ciertos elementos que engrandecen la película y la hacen tener algo distinto y especial.

Por ejemplo, resulta sorprendentemente blasfema, con escenas de monjas empaladas, Cristo siendo mordido por una enorme serpiente, etc.

Otro punto que me llamó la atención fue el planteamiento de las varias secuencias oníricas que se van sucediendo a lo largo del metraje. Es precisamente en estas escenas dónde encontramos los elementos blasfemos.

A decir verdad, están hechas de una forma muy rutinaria, con cromas verdaderamente cutres, pero eso, pese a que pueda parecer lo contrario, le otorga a esas secuencias un aire más bizarro, surrealista y cargadas de una psicodelia pesadillesca que, personalmente, me da muy mal rollo.

En La guarida del gusano blanco no hay elementos vampíricos, sino “reptilianos”, por decirlo de alguna manera. Estos monstruos tienen la capacidad de infectar a la gente mediante un mordisco, al igual que los vampiros, pero también tienen sus puntos débiles, como por ejemplo escuchar música de flauta o similar, cosa que los hipnotiza sin que ellos puedan remediarlo.

La principal villana de la función es Lady Sylvia Marsh, una de estas peligrosas criaturas, encargada de rendirle culto al gusano blanco y de proporcionarle carne humana y sacrificios.

En el reparto de la película no hay caras conocidas, salvo un primerizo Hugh Grant, actor que no me disgusta pero que no suele hacer películas que me interesen.

El otro cine español (9ª parte: El bosque del lobo)

2011-08-11T19:53:00.000+02:00

La historia de Manuel Blanco Romasanta se remonta al siglo XIX, en Galicia, cuando España era una tierra dominada por la superstición, y donde la cultura era más bien escasa.

Romasanta, fue, ante todo, un enfermo mental que se creía un hombre lobo, y así lo retrata la película de Pedro Olea, El bosque del lobo, que bien podría estar emparentada con otros títulos que reflejan maravillosamente la España más profunda y garrula, como Furtivos o El séptimo día.

Los nombres de los personajes, empezando por el protagonista (que aquí se llama Benito Freire), han sido cambiados por respeto, imagino, a las personas que murieron durante estos macabros sucesos. El final de la película también dista bastante de lo que ocurrió en la realidad.

El encargado de interpretar al desquiciado protagonista fue José Luis López Vázquez, cambiado sus habituales registros cómicos por uno mucho más oscuro y siniestro.

Cuentan que el verdadero Romasanta era un pobre hombre de menos de metro y medio, de aspecto inofensivo y amable. Esto es algo que se consiguió transmitir notablemente en la película, pues su protagonista tiene pinta de todo, menos de psicópata. Imagino que nada de esto fue al azar, ya que desde el aspecto de Benito Freire, hasta su voz, de tono amable y pausado, denotan que uno de los objetivos de Pedro Olea era, ante todo, hacer que el asesino pareciese un pobre hombrecillo.

Pero que no se engañen los fans de la licantropía cinematográfica. En El bosque del lobo no veremos ningún acontecimiento fantástico, ni escenas de terror, ni transformaciones de ningún tipo. No olvidemos que todo ocurría en la cabeza del protagonista, que sólo era un asesino enfermo, pero no un hombre lobo.

En este sentido la película me ha recordado poderosamente a Besos de vampiro, a la que ya dediqué una entrada en este blog. El concepto de ambas películas es exactamente el mismo; dos hombres que se creen lo que no son, pero actúan como si lo fuesen, y eso los acaba llevando a la ruina.

Por supuesto, en El bosque del lobo, hay algo que no encontramos en Besos de vampiro; la superstición y la incultural, dos factores altamente peligrosos

Que tampoco espere nadie encontrar escenas violentas y crudas, aunque de esto si hay un poco, como cuando Freire le prende fuego a una niña hasta morir. No es una película especialmente violenta ni sangrienta, su cuestionable espectacularidad radica en ver como eran llevados estos temas en aquella lejana época, y como un simple hombre enfermo era tratado como si de un monstruo se tratase.

No es una película gore ni de terror, es sólo una siniestra historia costumbrista ocurrida en un pueblecito gallego que tuvo que enfrentarse a algo que para sus habitantes era desconocido y demoníaco.

Esta misma historia fue llevada al cine por segunda vez en el 2003, de la mano de Paco Plaza, en la película Romasanta. La caza de la bestia, pero no la he visto, de modo que no puedo decir gran cosa salvo que, después de ver El bosque del lobo, siento mucha curiosidad por saber si en esa segunda adaptación se eligió el mismo tono realista y humano que en la película de Olea.

Criaturas asesinas

2011-08-08T19:56:00.000+02:00

No recuerdo como descubrí Criaturas Asesinas, seguramente por recomendación de alguien, pero me la he tragado ya varias veces y me parece una de las películas de monstruos más divertidas y entrañables que he visto nunca. Divertida porque todo el rato están pasando cosas y, para tratarse de un director medio amateur, el resultado sorprende.

Entrañable porque se nota que la película está hecha con cuatro duros mal contados, y los actores, no siendo profesionales, sino amigos del director, hacen un trabajo medio decente. Criaturas Asesinas está hecha con mucho mimo y cariño, ya que, básicamente, está rodada por puro amor al arte del director, sin buscar una compensación económica. De hecho, Douglas McKeown, el director, no volvió a ponerse detrás de las cámaras.

Una película de culto que cualquier aficionado al cine de monstruos y bichos espaciales disfrutará por su sencillez y su manera de ir al grano.

Hay que decir que, en ocasiones, se nota bastante el escaso presupuesto, y se nota donde más canta en este tipo de películas; en los efectos especiales.

De todas maneras, hay algunos efectos verdaderamente logrados, como un par de tomas en las que vemos a uno de los pequeños gusanos asesinos nadando en un charco, con un resultado verdaderamente realista. En general, los monstruos están muy bien hechos.

Los bichos en cuestión son una especie de gusanos ciegos con una boca enorme y repleta de dientes. Tantos que hasta resulta gracioso.

El diseño de los bichos es muy caricaturesco, como salidos de un cómic, pero esto no significa que sean simpáticos ni nada que se le parezca.

El guión es muy simple aunque con detalles curiosos. Tiene un pequeño giro argumental que, al menos yo, no me vi venir. Y es que lo que parece que será la subtrama romántica de la película, acaba con la chica decapitada al rato por uno de los monstruos.

Luego está el final y ese tremendo último plano, que no desvelaré para no estropeárselo a quien no la haya visto, pero diré que es otro punto a favor del guión y cierra la película de una forma espectacular.

Posiblemente, si Criaturas Asesinas hubiese tenido más presupuesto, un director con algo más de experiencia y una distribuidora en condiciones, hoy en día estaría a la altura de películas como Critters. Aunque para mí, que aprecio más el fondo que la forma, esta película es una pequeña joya del cine barato de terror y ciencia ficción tal y como es, sin necesidad de cambiarle nada.

Fantástico Mr. Fox

2011-08-04T19:24:00.000+02:00

Hace tiempo que dejé el cine infantil de lado, principalmente porque lo que se hace ahora me interesa más bien poco, empezando por la factoría Dreamworks y su Kung fu panda, Shrek, Ice Age o similares, que me repatean y no me hacen ni pizca de gracia.

En cambio, creo que Pixar hace muy buenas películas de animación, pero por alguna razón también han dejado de gustarme, y eso que antes no me perdía un estreno. Creo que Wall-E contribuyó a que esta factoría dejase de interesarme.

Fantástico Mr. Fox tiene dos elementos a su favor; es una película independiente, que se aleja de las chorradas y ñoñerías de la mayor parte del cine de animación comercial. Y por otra parte, está dirigida por un tipo competente y que, personalmente, me encanta. Me refiero a Wes Anderson, que ya me maravilló con Los Tenenbaums.

La historia gira en torno a un inteligente y carismático zorro, con esposa e hijo, que deberá enfrentarse a tres peligrosos granjeros que amenazan con matarle a él y a su familia, poniendo también en peligro a toda la comunidad de animales cercana. Y es que la disputa entre el zorro y los granjeros llegará a convertirse en un pequeño fenómeno mediático.

Tomando como base un cuento infantil de Roald Dahl, Anderson construye una historia bastante más compleja que el cuento original, añadiendo un humor inteligente más enfocado a adultos que a niños, una trama con conflictos familiares y celos, que recuerda poderosamente a Los Tenenbaums.

Fantástico Mr. Fox es una película para todos los públicos, es decir, no está enfocada únicamente al sector infantil, y por eso creo que cualquiera puede disfrutarla por igual.

Del mismo modo que Pesadilla antes de Navidad, esta película se hizo con marionetas mediante la técnica de stop motion, pero Wes Anderson quiso que tuviese un aspecto totalmente artesanal, prueba de ello es ese humo hecho con algodón, por ejemplo.

Aún así, se nota que la película tiene muchísimas horas de trabajo detrás, además de un trabajo artístico impecable, lleno de detalles calculados al milímetro.

No hay más que fijarse en la ropa de los personajes, los decorados o los rutinarios efectos especiales para darse cuenta de lo que buscaba su director; una película de animación que perfectamente se podría haber hecho en los años 60.

Pero no nos engañemos, aunque los protagonistas de la película sean animales, la historia, los diálogos y algunas situaciones gozan de una extraña cotidianidad y realismo que hacen que Fantástico Mr. Fox resulte aún más entrañable si cabe.

La banda sonora original, compuesta por Alexandre Desplat, es otra gozada. Una música que recuerda, en cierta medida, al Ennio Morricone de los spaghetti westerns y al country en general.

También encontramos temas de los Beach Boys o los Rolling Stones, entre otros.

Y por último me queda mencionar el gran reparto del que se rodeó Wes Anderson para poner voz a los personajes de la película, donde encontramos, por ejemplo, a George Clooney, Bill Murray, Willen Dafoe o Meryl Streep.

Tropic Thunder

2011-08-02T16:26:00.001+02:00

La comedia nunca ha sido un género que me agrade demasiado, pues mi sentido del humor es bastante peculiar, así como las cosas que me hacen gracia. Dicho de otro modo, la mayoría de las cosas con las que me río no les saca ni una mísera sonrisa al resto de los mortales, y viceversa.

Lo peor, en ocasiones, es que las cosas que no están pensadas para resultar graciosas, hacen que me parta el pecho, aunque este no sea el caso.

Cuando fui a ver Tropic Thunder, lo hice con un poco de miedo, pero también con esperanza, ya que su director era Ben Stiller, quien anteriormente había hecho Zoolander, una comedia que no me canso de ver y que me parece absolutamente genial, despiadada y grotesca.

Pero tenía miedo de que Zoolander fuese el fruto de un estado de gracia e inspiración que no se volvería a repetir, y que Tropic Thunder sería la típica comedia tonta americana… pero me equivoqué.

Tropic Thunder es idéntica a Zoolander; mismo humor, mismos chiste con mala leche, surrealismo, ridiculización de todo un gremio, etc. Mientras que Zoolander machacaba sin piedad al superficial mundo de la moda, las pasarelas y demás, Tropic Thunder lo hacía contra el cine, satirizando y disparando toda su munición envenenada contra productores despiadados, actores excéntricos, superproducciones, tópicos, fracasos en taquilla y las consecuencias de estos, blockbusters pasados de moda y, en definitiva, todo lo que rodea al mundillo del cine comercial.

Otro de los detalles más interesantes de esta película es el modo en que plasma en pantalla a todos los estereotipos de actores. Por un lado tenemos al héroe de acción, especializado en cine comercial y sagas interminables que quiere desencasillarse.

Luego está el actor cómico de moda, cuyas películas tienen éxito pero nada de calidad.

Por supuesto también está el actor del método, ese que, con tal de meterse en su papel, llega a hacer auténticas e innecesarias gilipolleces. Es un actor que hace buen cine y actúa a las mil maravillas, pero en su vida privada resulta un ser excéntrico y maleducado.

No olvidemos al actor novel, joven e inexperto, que sueña con conseguir alguna nominación al Oscar por su primera película.

Y luego está el prototipo que más odio; el cantante de moda metido a actor sin tener ni pajolera idea de interpretación. El típico reclamo comercial del que no se espera nada, salvo ver en aumento las cifras en taquilla gracias a la asistencia a las salas de los fans que sólo quieren ver a su ídolo, aunque no sepan ni de qué va la película que protagoniza.

Tropic Thunder no sólo es una despiadada crítica al mundo del cine, tanto detrás como delante de las cámaras. También se permite homenajear al cine de bélico, y prueba de ello son sus descarados guiños a películas como Apocalypse Now o Platoon, abriendo la película con una espectacular secuencia de acción, llena de disparos, explosiones y sangre.

Como ya he dicho antes, la mayor baza de esta película es su guión lleno de mala leche y frases inolvidables, combinando a la perfección humor inteligente y humor soez de bastante mal gusto.

Otro gran acierto es el reparto, lleno de caras conocidas y todos ellos muy correctos en sus respectivos papeles, pero sin duda me quedo con Robert Downey Jr., que interpreta Kirk Lázarus, un actor del método con trastorno de personalidad causado por el interés que pone a la hora de meterse en sus papeles. Ha llegado a un punto en el que no sabe quien es.

Un irreconocible Tom Cruise también lo borda dando vida a Less Grossman, un productor de cine, sin escrúpulos y muy malhablado, al que solo le interesa el dinero… aunque le cueste la vida a algún actor.

Y en papeles menos logrados, pero igualmente efectivos, encontramos a Ben Stiller, Jack Black, Steve Coogan, Nick Nolte y Matthew McConaughey.

Juez Dredd

2011-07-27T21:06:00.000+02:00

Aprovechando el próximo estreno de la nueva película de Juez Dredd, me he decidido a comentar un poco este cómic que tanto me gusta, y que tan mal ha sido tratado por el cine. Esperemos que con esta nueva versión que próximamente se estrenará, se haga algo decente.

Siempre he sentido un especial cariño y predilección por los personajes políticamente incorrectos y gamberros, y si para colmo imparten una justicia como la que a mi me gusta, entonces ya ni os cuento.

Ejemplos de estos personajes que tanto me gustan, y que tanta polémica han podido llegar a levantar, son The Punisher, Lobo o Hellboy, y por supuesto, el que voy a tratar en esta entrada; Juez Dredd.

Juez Dredd nace en los años 70, en las publicaciones de la revista británica 2000AD, de la mano de John Wagner y Carlos Ezquerra, presentándonos a un personaje poco hablador y violento, aficionado a las frases lapidarias y al gatillo fácil. También ha sido guionizado por el bestia de Garth Ennis, aunque lo que me volvería loco sería ver a este personaje en manos de Mark Millar. Un sueño que dudo mucho que se me llegue a cumpliar.

La historia transcurre en Mega City One, una gigantesca ciudad súper poblada, imposible de controlar. Por eso, el gobierno crea un cuerpo de policía especial; los Jueces, que ejercen de policía, juez, jurado y verdugo, todo en uno. Hay muchos jueces, pero el cómic tiene como protagonista a Dredd, del que en ningún momento llegamos a ver el rostro, siempre cubierto con su casco.

El cómic, que hace gala de un humor negrísimo, fascista y bizarro, y unas trepidantes escenas de acción, nos traslada a un mundo agobiante, donde todo está automatizado y lleno de robots que, en ocasiones, pierden el control. Hay guerras de bandas y barrios, criminales en cada esquina y seres extraños.

En todo el cómic hay un constante tono paródico hacia los clásicos tipos duros, pero llevándolo al extremo, como toda buena parodia. Pero que no se me malinterprete, Juez Dredd no es un tebeo de humor. Pese a tener algo de comedia, no deja de ser una historieta de acción, con algunas pinceladas críticas.

También encontramos elementos sobrenaturales que a algunos lectores no le gustan. A mí, en cambio, me parece algo interesantísimo, ya que le otorga al cómic un ambiente aún más extraño e irreal.

Por ejemplo, tenemos a uno de los mayores enemigos del Juez Dredd; el Juez Muerte y su séquito, Juez Miedo, Juez Fuego y Juez Mortis, a cada cual más feo y desagradable. Ellos son los llamados Jueces Oscuros, una especia de demonios provenientes de una dimensión infernal en la que la vida es considerada el mayor crimen, por lo tanto, cualquier ser vivo, según los Jueces Oscuros, es culpable y debe ser eliminado.

En 1995 se estrenó una película homónima, dirigida por Danny Cannon y protagonizada por Sylvester Stallone , en la que no pudo cagarla más de lo que lo hizo, y eso que los quince primeros minutos son perfectos. Respetó el traje del juez (que me encanta), su mala leche, la ambientación caótica y la estética de Mega City One. Hasta ahí todo perfecto, pero luego, cuando Dredd se quita el casco y todo el uniforme que lo caracteriza, la película pasa a convertirse en una simple cinta de acción futurista que, si la hubiesen llamado “un policía del futuro”, me habría llegado a gustar.

No suelo ser puritano en lo referente a las adaptaciones al cine y su fidelidad respecto al cómic en el que se basa, pero es que en este caso se cargaron al personaje.

Sólo cabe esperar que la nueva adaptación que viene en camino respete al personaje, no caiga en lo políticamente correcto y haga que más de uno se escandalice, aunque tal y como está Hollywood de amanerado, dudo que esto último llegue a ocurrir. Me conformo con que sea fiel al personaje y reparta justicia como Dios manda... tampoco pido tanto.

Al límite

2011-07-25T20:47:00.000+02:00

Dirigida por Martin Scorsese y estrenada en 1999, Al límite es una de las películas de este director menos conocidas y peor tratadas por el público, ya que supuso un rotundo fracaso en taquilla, y a nivel de críticas tampoco creo que saliese muy bien parada, aunque este último detalle me la trae floja, como todos los que dicen que Nicolas Cage es un mal actor y demás sandeces de índole borreguil. Esos “críticos” de pacotilla que sólo saben repetir lo que escuchan de otros.

La película se podría interpretar como una versión sanitaria de Taxi Driver, ya que ambas tienen un argumento considerablemente similar y algunos elementos en común. Por ejemplo, los protagonistas de ambas películas son unos desequilibrados en algún sentido. En Taxi Driver era un desequilibrado mental sociopata, y en Al límite nos encontramos con un tipo depresivo, medio bipolar y con serios trastornos alimenticios.

Pero la esencia de ambas películas es la misma; tener un trabajo nocturno y lidiar con lo peor de la sociedad y la podredumbre urbana.

Frank Pierce, que así se llama el personaje al que da vida Nicolas Cage, es un ATS del servicio sanitario de Nueva York, que a lo largo de tres interminables noches, cada una de ellas con un compañero de trabajo diferente, a cada cual más chiflado, recorrerá la ciudad con la ambulancia, enfrentándose a toda clase de situaciones estrafalarias, camellos, góticos con sobredosis, suicidas, y los terribles fantasmas del pasado, que no dejan de atormentar a nuestro protagonista. Pero ante todo, es una historia de amor entre dos personas que deambulan sin rumbo fijo por un mundo corrompido y triste.

Al igual que ¡Jo, que noche!, a la que ya dediqué una entrada en este blog, la historia no se desarrolla de forma lineal. Me explico, no hay un inicio, nudo y desenlace claramente marcados, sino que la trama sigue su curso a base de escenas casi inconexas. Situaciones sueltas y alguna que otra subtrama con continuidad.

Luego está la fotografía de la película, que me parece el mejor trabajo de Robert Richardson, con esa magnífica iluminación (desde arriba) y esos colores quemados. Algo parecido a lo que hizo en Casino, también de Scorsese, pero más exagerado.

Y hablando de exagerar, no olvidemos el plantel de personajes que desfilan por la película. Todos ellos están cortados por el mismo patrón, y la exageración demencial y caricaturesca que destilan les hace parecer sacados de alguna película de David Lynch, quien perfectamente podría rodar una secuela de este título.

Otro punto fuerte de Al límite es su gran reparto, en el destacan John Goodman, Patricia Arquette, Ving Rhames y Tom Sizemore, todos ellos haciendo un gran trabajo.

La banda sonora, como ya sabéis, es otro detalle en el que me suelo fijar siempre, y más aún si se tratan de canciones en vez de música orquestada, la cual suele aburrirme. En este caso, el repertorio musical es bastante extenso (como casi siempre ocurre en el cine de Scorsese), e incluye temas de, entre otros,Van Morrison, The Clash, Frank Sinatra, The Who, UB40, R.E.M y Marc Anthony, quien además, tiene un pequeño papel en la película.

Bronson

2011-07-21T15:59:00.001+02:00

En la misma línea, aunque más frenética, que la violenta Chopper, Bronson nos cuenta la historia real de Michael Peterson, apodado Charles Bronson, uno de los criminales más violentos del Reino Unido.

La película parece querer dejar bien claro este último detalle, ya que llegué a perder la cuenta de en cuantas escenas Bronson da de hostias, amenaza, humilla o insulta a alguien.

Otra cosa que la película intenta hacernos ver, es que Bronson no es un loco ni un desquiciado mental, sino alguien con un afán de protagonismo extremo, algo que finalmente consigue al convertirse en una especie de celebridad. Pero al llegar al tramo final de la película, uno no tiene más remedio que pensar que el bueno de Bronson está como una verdadera cabra.

Este título no destaca especialmente en ningún aspecto, salvo, claro está, en la interpretación de Tom Hardy a la hora de darle vida a Bronson, y en el correctísimo trabajo de dirección de Nicolas Winding Refn, con un estilo videoclipero que hace que la película sea bastante espectacular, visualmente hablando.

La banda sonora, además de jugar un papel importante, también resulta curiosa, pasando de la música clásica de Verdi, a la música electrónica de New Order o Pet shop boys.

Pero repito, el plato fuerte es su protagonista, Tom Hardy, al que hemos podido ver en Origen o en Rock´n´Rolla, interpretando roles absolutamente opuestos que le hacen parecer un actor distinto.

Se ha hablado de ciertas similitudes entre esta película y La naranja mecánica, y algo tiene del clásico de Kubrick, pero creo que dista demasiado como para compararse con esta. Si nos ponemos, también podríamos compararla con El club de la lucha, pero no sería justo, ya que por el hecho de que en ambas películas haya secuencias de peleas no vamos a decir que se parecen. El trasfondo también cuenta, y lo cierto es que en ese sentido no se parecen en nada. Mientras que la película de Fincher nos habla del anarquismo y la destrucción del sistema, Bronson no nos dice nada. Es bastante vacía en ese sentido. Nos habla de un recluso violento que no deja de hacer fechorías para que lo cambien de cárcel, poco más.

Tanto en Bronson como en La naranja mecánica hay mucha violencia, incluso me atrevería a decir que estéticamente comparten algunas similitudes, pero de nuevo, no comparten nada más.

Poco más se puede decir de este título. Es entretenida, está bien rodada y te pasas todo el metraje esperando a ver cual es la nueva burrada que comete el protagonista, pero no esperéis encontrar un mensaje ni una historia profunda.

Un hombre lobo americano en Londres

2011-07-18T20:46:00.000+02:00

John Landis, antes de ser alguien en el mundo del cine, fue ayudante en el rodaje de la estupenda Los violentos de Kelly. Durante dicho rodaje fue testigo de un extrañísimo entierro llevado a cabo por gitanos eslovacos, en el que dieron sepultura al difunto justo en el cruce de dos caminos (por eso de la forma en cruz), con el cuerpo lleno de rosarios y ajos, y enterrándolo en posición vertical. Este ritual se llevaba a cabo para evitar que el difunto se levantara de su tumba.

A John Landis, como es normal, esto le pareció, cuanto menos, curioso. ¡Lo que puede hacer la superstición! El hombre estaba a punto de pisar la luna por primera vez y aquellos gitanos se preocupaban por un zombie. Pero Landis pensó ¿y si el cadáver, realmente, volviera de entre los muertos? ¿cómo reaccionarían unos urbanitas ante un fenómeno tan insólito y paranormal como este? Estas preguntas son las que dieron origen a Un hombre lobo americano en Londres.

Es una película que, según el propio John Landis, es demasiado graciosa para dar miedo, y demasiado terrorífica para ser graciosa, pero a decir verdad, la película da más miedo que otra cosa, aunque tenga algunas pinceladas de humor. A pesar de esto, no se escatima en violencia, sangre y escenas perturbadoras, como la de los nazis demoníacos. Una película de terror muy atípica, en definitiva.

Además del estupendo maquillaje a cargo de Rick Baker, por el cual ganó un Oscar, Un hombre lobo americano en Londres tiene otras virtudes, tales como el innovador guión, que actualiza la clásica imagen del hombre lobo, dándole un cierto toque realista, o la conseguida ambientación, en especial en la tensa y terrorífica secuencia inicial en los páramos, al norte de Inglaterra, o la escena del metro.

El aspecto del monstruo creo que ha servido como fuente de inspiración para todas las películas de hombres lobo que se hicieron después de esta. Un ser que, más que un lobo, parece un enorme perro salido del infierno, ya que se quiso romper con la tradicional imagen del hombre lobo bípedo.

De todas maneras, Landis prefiere no enseñarnos al monstruo en todo su esplendor, de modo que constantemente lo vemos, o bien entre sombras, o bien sólo se nos muestra una parte de él. Esto no significa que sea necesario verlo más de lo que se ve, puesto que con esa sutilidad a la hora de enseñarlo se consigue crear mayor impresión en el espectador.

Hay un plano buenísimo desde la parte superior de unas escaleras eléctricas en el que vemos a un aterrorizado señor tratando de subirlas cuando, de repente, aparece el monstruo por una esquina. Al momento de asomar la cabeza, el plano se corta y no lo vemos más. Basta con esa breve aparición y con verle la cabeza a la criatura para saber que, sea lo que sea, es enorme y peligroso.

Imagino que no es necesario hablar de la mítica secuencia en la que el protagonista se transforma por primera vez en hombre lobo, ya que de esto se ha hablado largo y tendido en multitud de ocasiones, sólo añadir que Landis quería que el personaje sufriese y sintiera un dolor espantoso al transformarse, ya que eso supone el movimiento de todo el esqueleto, el estiramiento de la carne y otras lindezas que de ninguna manera resultarían indoloras en caso de ocurrir en la realidad. Si recordamos, por ejemplo, la versión del hombre lobo de 1941, dirigida por George Waggner y protagonizada por Lon Chaney Jr., el tipo se transforma sin sentir absolutamente nada, y era justo eso lo que John Landis quería evitar.

En el reparto no hay demasiadas caras conocidas, salvo la de Griffin Dunne, que años después protagonizaría la extraña y agobiante ¡jo, que noche! Y en la banda sonora los Creedence Clearwater Revival, con su tema Bad moon rising ¿qué más se puede pedir?

El otro cine español (8ª parte: El 7º día)

2011-07-16T20:46:00.000+02:00

La crónica negra española es un tema que siempre me ha interesado poderosamente, y esta misma ha sido fuente de inspiración para películas como El crimen de Cuenca, Los invitados, el bosque del lobo o El huerto del francés. ¿Por qué me interesa este tema? Básicamente porque me siento más identificado con algún suceso ocurrido, por ejemplo, aquí Andalucía, que en el quinto pino, al otro lado del charco. En otras palabras, me es más fácil meterme de lleno en la historia, ya sea la real o la adaptada al cine, libro, cómic o cualquier otro medio. Además de eso, me encanta la ambientación retro española, pero eso es ya un detalle tonto.

Carlos Saura llevó al cine en 2004 la historia de la masacre de Puerto Hurraco, en Extremadura, un trágico suceso ocurrido el 26 de agosto de 1990, que se cobró la vida de 9 personas y 12 heridos a manos de un par de hermanos desquiciados que se armaron con escopetas de caza y decidieron llevar el infierno a aquel pueblo.

El motivo de aquella carnicería tuvo su origen en los años 80, a causa de unas constantes discusiones entre dos familias de campesinos; los Izquierdo y los Cabanillas, siendo los primeros los autores del crimen.

Además del problema de lindes, uno de los Cabanillas fue apuñalado hasta la muerte por el hermano mayor de los Izquierdo, y la madre de estos también fue asesinada presuntamente en un incendio provocado.

La cuestión es que la bola se hizo muy grande y la tensión acumulada acabó estallando años después, cosa que se veía venir.

Precisamente es esto lo que mejor consigue transmitir Saura en su película; esa sensación de que algo malo se está gestando. Un bomba a punto de explotar y llevarse por delante todo lo que encuentre.

Es justo eso lo que ocurre; los cuatro hermanos de la familia Izquierdo que siguen vivos son desterrados de Puerto Hurraco, y es en ese momento cuando empiezan a plantearse la posibilidad de vengarse con odio y furia de todo el pueblo.

Son las dos hermanas, Isabel y Lucíana, las que comienzan a avivar los deseos de venganza y a comerle la cabeza a sus dos hermanos, Antonio y Emilio, para que sean ellos los que empuñen las escopetas y lleven a cabo la matanza.

Hay que decir que los nombres de los personajes han sido cambiados por respeto a los protagonistas de aquel suceso.

El tramo final de la película resulta especialmente crudo y violento, ya que los asesinos no tienen miramientos a la hora de matar gente, ya sean mujeres, niños o ancianos.

Toda la secuencia del tiroteo está rodada con maestría por Saura, consiguiendo unos disparos realistas e impactantes. Esto de los disparos es un detalle en el que siempre me fijo, y más aún cuando se trata de una película como esta, donde la naturalidad y el realismo deben pasar por encima de la espectacularidad.

En el reparto destacan Juan Diego, José Luis Gómez, Victoria Abril, Carlos Hipólito y Antonio de la Torre en un breve papel.

Tortugas ninja

2011-07-13T23:37:00.002+02:00

No voy a negar que gran parte de mi cariño por estos personajes sea debido a que, prácticamente, me crié con ellos, tanto con la película, como con la serie de dibujos, como con la colección de juguetes.

La serie de dibujos, vista hoy, pierde bastante, todo sea dicho, ya que posee un humor bastante tonto e infantil, pero tengamos en cuenta que estaba destinado a ese público, de modo que no se le puede recriminar nada. Aún así, tiene muchísimo más encanto que cualquier serie de dibujos actual. Cualquiera.

La película, al contrario de lo que muchos piensan, no se basa en la serie de dibujos, sino al revés. El material que inspiró a la película fue el genial y violento cómic de Peter Laird y Kevin Eastman. Un tebeo que, pese a lo que pueda parecer, no estaba enfocado a un público infantil, sino adulto.

La historia cuenta como cuatro tortugas entran en contacto con un poderoso mutágeno que las convierte en máquinas de luchar contra el mal. Estas son adoptadas por una rata llamada Splinter que corrió la misma suerte que ellas, bautizándolas con los nombre de Michelangelo, Donatello, Raphael y Leonardo. En su cruzada contra el crimen contarán con la ayuda de algunos aliados, como la reportera April o Casey Jones, un vigilante justiciero tan letal como patoso y bonachón.

Todos ellos harán frente al temible Clan del Pie y su líder, El Triturador.

La película puede parece la típica chorrada imposible de tomarse en serio, y en parte es así ¿tortugas parlantes comedoras de pizza? Pero, al igual que en el cómic, los momentos de acción y comedia, en ocasiones dan paso a situaciones más dramáticas y sorprendentemente serias.

Uno de los aspectos que más me gusta de la película es el carisma de todos sus protagonistas, héroes y villanos, cosa que hace que ames a unos y odies a otros, pero dudo que nadie se quede indiferente.

El diseño de las tortugas está muy conseguido, y a día de hoy me sigue pareciendo un gran trabajo de efectos especiales que ni con CGI se podría superar.

El humor también me resulta especialmente simpático, y lo mejor es que no llega a resultar tonto. Como la escena en la que una de las tortugas sale del cine tras ver Critters y murmura algo así como "¿critters? ¿A quién se le ha podido ocurrir eso?"

Que esa frase la diga una tortuga parlante, antropomorfa y con gabardina me resulta bastante gracioso, para qué engañarnos. Y de paso, el guionista se permitía el lujo de hacer una crítica cariñosa a esas películas de bichos raros que tan de moda habían estado en los recién acabados 80, como la ya mencionada Critters o la estupenda y tampoco nada infantil gremlins.

Si existe alguien sobre la faz de la tierra que no haya visto nada de estos personajes, cosa que dudo, le recomiendo la primera película y la serie de cómics original. La primera serie de dibujos no está mal, pero le falta algo de la esencia de las tortugas; es demasiado politicamente correcta. Y las secuelas que se hicieron de la película no son gran cosa. La segunda parte me parece demasiado infantil y tonta, y la tercera, aunque es mejor, no alcanza el estilazo que tiene la primera película.

En definitiva, Las Tortugas Ninja es una película para gente sin prejuicios que quiera pasar un rato estupendo en compañía de unos personajes maravillosos, recordando los años 90 en todo su retro esplendor.

¿Objetividad? mejor si

2011-07-11T20:12:00.002+02:00

¿Podemos decir que una película (o cómic, o canción, o libro, o lo que sea) es buena por el simple hecho de gustarnos mucho? Rotundamente no, bajo mi punto de vista. He comentado esto mismo con amigos en varias ocasiones, y aunque muchos me digan “una película es buena si me gusta”, yo seguiré pensando que esto no puede ser así. Puede que te guste y sea buena... y puede que no.

Vamos por partes. Hace un par de noches fui al cine a ver Transformers 3, y salí absolutamente satisfecho. En ningún momento se me hizo pesada, ni me aburrió ni nada por el estilo, pero ¿es una buena película por el hecho de haberme gustado a mi? Ni mucho menos. Cinematográficamente hablando, la película es un truño como un puño de grande, así como otras tantas superproducciones similares. Tenemos unas interpretaciones pésimas, un humor bastante tonto, tópicos a cada minuto y un guión vacío, simple y lleno de personajes estereotipados y mil veces vistos... y oye, la película me gustó mucho, aunque no por eso podría decir que es buena ni por asomo.

Para mí, el cine es algo más que entretenimiento, y aunque sea fan de auténticas bazofias cinematográficas, soy capaz de admitir que son eso, bazofias.

Para que una película sea buena (de verdad) debe tener ciertos valores, tales como un guión en condiciones, unas interpretaciones aceptables, un cierto grado de originalidad... no sé, esos detalles que diferencian al cine que es sólo un pasatiempos del que es arte de verdad y no una atracción de feria sacacuartos.

Pero ojo, que también se da el caso contrario. Aunque una película me resulte insufrible, puedo reconocer la calidad de esta (si la tiene, claro).

Que a veces, lo blanco es blanco, y lo negro es negro, y por mucho que una película nos guste, si es una mierda... pues es una mierda, y lo mismo ocurre en el caso contrario.

También digo una cosa; dudo mucho que sea recomendable alimentarse exclusivamente con el cine de Woody Allen o Jean-Luc Godard.

Que comer en restaurantes de lujo está muy bien, pero de vez en cuando apetece dejar la mente en blanco e irnos a darnos un atracón en el Burger King.

Este es precisamente el problema de los cinéfilos gafapastas y pedantes (los odio y no tengo piedad, lo siento). Esta gente sólo saber arrugar la nariz y levantar el hocico con asco y desprecio ante títulos que no estén nominados a siete Óscar como mínimo. Por eso me alegro de considerarme cinéfago y ser capaz de disfrutar de la misma manera con una película de Woody Allen que con una del Vengador Tóxico.

PD: paradójicamente, casi todas mis películas favoritas son de las que considero “malas”.

Ases Calientes

2011-07-08T20:12:00.000+02:00

Hay una vertiente en el cine de acción contemporáneo totalmente influenciado por los directores Quentin Tarantino y Guy Ritchie. Un cine de acción lleno de efectismo, piruetas visuales, palabrotas, sangre y muchos tiros. Un nuevo concepto de acción basado en los personajes chulescos y carismáticos con labia y de gatillo fácil. Ejemplos de este tipo de cine pueden ser la frenética Crank: Veneno en la sangre (a la que dedicaré una entrada dentro de poco), La prueba del crimen o Shoot em´up. Títulos sin mensaje ni trasfondo, sólo entretenimiento puro y duro, sin complicaciones ni pretensiones.

Ases Calientes entraría dentro de esta categoría de cine de acción frenético y fantasioso, aunque debo admitir que esta película me gusta especialmente. Quizá sea por su gran reparto, por sus trepidantes escenas de acción, o puede que sea por la idea principal de su argumento; un mafioso cuya cabeza ha sido puesta en venta por otro gangster se encierra junto a sus hombres de confianza en un lujoso hotel de Las Vegas, pero el lugar se llenará de asesinos a sueldo que buscan conseguir la recompensa a toda costa, convirtiendo el hotel en un campo de batalla donde todo vale.

Con un argumento así no cuesta demasiado compararla con un western moderno, de hecho, incluso hay un momento musical con Ennio Morricone en homenaje a El bueno, el feo y el malo.

La película fue tremendamente criticada en su momento a causa del cambio de tono que sufre a mitad del metraje. Me explico, lo que empieza siendo una especie de comedia violenta acaba convirtiéndose en un drama violento y pasado de rosca. Es cierto que el cambio de tono es bastante evidente, pero no lo veo como algo negativo, sino como una transición necesaria. Algo en lo que la historia desemboca, sin llegar a resultar molesto como muchos afirmaron en su momento.

Lo cierto es que tampoco tuvo mucha repercusión en taquilla, pasando por las salas españolas sin pena ni gloria.

Uno de los puntos fuertes de Ases Calientes es el catálogo de asesinos a sueldo que se pasean por el hotel, a cada cual más extravagante, como por ejemplo los Hermanos Tremor, que son algo así como una mezcla entre un mercenario, un gremlin y un neonazi.

Son estos personajes los que protagonizan las escenas mas desternillantes y surrealistas, por no mencionar a ese niño karateka hiperactivo que no viene a cuento, pero que me es imposible no reírme con la escena en la que sale. Es puro humor absurdo y grotesco.

El trabajo de dirección por parte Joe Carnahan es frenético y espectacular, llenando la película de efectos visuales y algunas dosis de tensión que hacen que Ases Calientes se pase en un abrir y cerrar de ojos.

A esto hay que sumarle el gran reparto del que goza la película, donde podemos encontrar a Andy Garcia, Ryan Reynolds, la cantante Alicia Keys, Jeremy Piven (que lo borda), Ray Liotta y un pequeño papel para Ben Affleck, uno de esos actores como Nicolas Cage o Mark Whalberg, que la gente ponen a parir, pero que a mí me gustan.

En resumen, perfecta para aquellos que busquen un simple entretenimiento sangriento, violento y con final sorpresa que, al menos yo, no me esperaba.

El destripador de Nueva York

2011-07-05T20:00:00.001+02:00

Es extraño que a estas alturas del blog aún no haya hablado de alguna película del director italiano Lucio Fulci, uno de mis realizadores favoritos, que cuenta en su filmografía con varias películas que figuran entre mis favoritas en general.

La historia; un sanguinario psicópata aterroriza la ciudad de Nueva York, masacrando mujeres y poniéndose en contacto con la policía simulando una infantil voz de pato.

Con este argumento, Lucio Fulci elabora un salvaje giallo al más puro estilo Argento, pero bastante más cafre, tosco y gore.

Maniac, de William Lustig, fue uno de los mayores referentes para Lucio Fulci a la hora de realizar El destripador de Nueva York, y podemos encontrar varios puntos en común entre un título y otro; ambos son tremendamente misóginos, siendo las mujeres las víctimas principales. Las dos películas tienen argumentos muy parecidos, llenos de violencia. Y, por supuesto, ambas películas están protagonizadas por un terrorífico asesino en serie.

Que no sé decir con exactitud si lo que hizo Fulci fue homenaje o pura explotación, porque por mucho que me guste este director, debo admitir que a veces es un poco cutre. Sea como sea, esta es una de mis películas favoritas, y una de las más redondas de su filmografía.

Hay quienes piensan que esta película es una especie de versión neoyorquina de la historia de Jack el destripador, pero nada más lejos de la realidad, la historia no tiene nada que ver. Lo único en común es el hecho de haber un psicópata de por medio.

Fulci llena la película con elementos muy propios de su cine; mutilación ocular (y genital), zooms bruscos y planos rebuscados made in Darío Argento, como ese plano desde el interior de la garganta de una mujer que acaba de ser degollada. Y ya que estamos hablando de los detalles escabrosos, aprovecho para mencionar los muy buenos efectos especiales de los que consta El destripador de Nueva York.

En esta entrada he mencionado en varias veces a Argento, pero es que es imposible hablar de directores como Lucio Fulci o Brian de Palma sin hacer referencia a este realizador. Del mismo modo que tampoco podemos hablar de Darío Argento sin recordar a Mario Bava o Alfred Hitchcook.

Sexy Beast

2011-07-01T19:17:00.001+02:00

Había oído hablar de esta película durante bastante tiempo, pero por alguna razón no me atraía en absoluto. Un día me informé un poco, y hubo dos detalles que despertaron mi curiosidad y mis ganas de verla; era de mafia y transcurría aquí en Andalucía, en la costa del sol.

Total, la compré en dvd y quedé encantado con esta Sexy Beast y la maravillosa Interpretación de todo su reparto, destacando a Ben Kingsley. También me gustaron mucho algunos de sus efectos visuales, que le dan a la historia un aire surrealista y, en ocasiones, casi onírico, raro.

La trama gira en torno a un mafioso inglés retirado y acomodado en la costa del sol, viviendo la gran vida junto a su querida esposa, disfrutando del clima y del “pescaíto frito”. Es un tipo feliz, en resumen.

Todo se desmorona cuando viene uno de sus viejos compañeros de fechorías para proponerle un último gran golpe. Por desgracia, este compañero es un verdadero hijo de puta, y no le dará la opción de negarse a volver a delinquir. Para eso se empleará a fondo para fastidiar la idílica vida de nuestro protagonista.

Sexy Beast bebe del cine de Tarantino y de los Hermanos Coen (quizá en mayor medida de estos últimos), pero eso no significa que caiga en tópicos o facilonas imitaciones. Sexy Beast tiene suficiente carácter como para crear estilo.

La película no hace en ningún momento el uso de exageraciones ni fantasmadas. En ningún momento se aleja de su estilo minimalista y realista, contando una historia puramente humana. Es algo así como una película de Guy Ritchie, pero quitándole gran parte del humor y tontería (que no se entienda este comentario como que no me gusta el cine de Ritchie, todo lo contrario).

En el reparto tenemos, además del gran Ben Kingsley, a Ray Winstone e Ian McShane, dos actores que, cuanto más los veo, más me gustan.

El director, Jonathan Glazer, no ha vuelto a hacer nada que valga la pena verse, en cambio, los guionistas Louis Mellis y David Scinto, escribieron la estupenda 44 Inch Chest, una teatral película que peca de ser algo lenta, pero igualmente disfrutable.

Alien 3: versión realidad alternativa

2011-06-27T19:36:00.001+02:00

En multitud de ocasiones me he visto discutiendo sobre el mismo tema; ¿es mejor Alien o Aliens? Y siempre me han respondido lo mismo: es que son películas muy diferentes y no se pueden comparar. Alien es terror, y Aliens es pura acción.

Estamos de acuerdo, eso es cierto. Y me parece muy grande que dentro de una misma saga cinematográfica se consiga cambiar de género y la cosa siga siendo completamente coherente. Es algo digno de admiración, parecido a lo que ocurrió con Terminator y Terminator 2. La primera se puede considerar terror, una especie de slasher tipo Viernes 13, pero protagonizado por un robot asesino en vez de un zombie, y Terminator 2 es ciencia ficción y acción. Este caso es casi idéntico al de Alien, pero no tan extendido.

La cuestión es la siguiente, y es que cuando llevas un par de whiskys encima, uno se pone creativo y le da por decir cosas que están muy metidas en el cerebro, en sus más profundos recovecos. Ideas que sin un estímulo apropiado jamás saldrían a la luz.

¿Qué hubiese ocurrido si la Fox hubiese pensado en seguir sacando partido al cambio de género de la saga Alien? ¿Qué hubiese pasado si Alien 3 hubiese sido una comedia o un musical? Pero que no quedara como algo raro y estúpido, que tuviese la misma aceptación que Aliens, sin desentonar. Que fuese tomada completamente en serio. Escuchar conversaciones entre cinéfilos, del tipo:

-¿Qué prefieres, Aliens o Alien 3?

-Hombre, no sé… es que las dos son clásicos, pero una es de acción y la otra un musical ¡no se pueden comparar!

Disculpad por esta tremenda gilipollez.

Cine de verano. 2ª parte

2011-06-21T16:35:00.003+02:00

De nuevo, como ya hice el año pasado, voy a hacer un repaso a los estrenos cinematográficos que nos esperan este verano. Suele haber, como siempre, bastante porquería, pero generalmente algo se puede salvar.

Vamos a ello.

Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! La primera parte me pareció una de las mejores comedias del año, y esta secuela se presenta más o menos igual, aunque no me guste tanto el escenario dónde se desarrolla.

Transformers 3: Cine palomitero a rabiar, de fácil digestión y sin complicaciones. A veces sienta bien. Las dos entregas anteriores tenían un guión de mierda (como esta, me imagino) pero daban lo que ofrecían; más de dos horas de tiros, explosiones y espectáculo puro.

Capitán América: otra adaptación comiquera que, por lo visto en el trailer, parece bastante cuidada, por no mencionar el gran reparto que tiene. Espero que no decepcione.

Súper 8: J.J. Abrams y Steven Spielberg unen fuerzas para traernos este homenaje al cine de ciencia ficción ochentero con el que muchos nos hemos criado. Los que la han visto la definen como E.T + Cloverfield, y la verdad es que tiene toda la pinta de que así sea. No espero gran cosa de esto, pero la veré igualmente.

Cowboys & Aliens: El título lo dice bien claro, vamos a tener una película del oeste con invasión extraterrestre incluida, y ambos temas me gustan. Dudo que me decepcione, más aún cuando está dirigida por Jon Favreau, un tipo que ya demostró con Iron Man y Iron Man 2 que sabe desenvolverse muy bien en el cine de acción.

Hay otros estrenos palomitero para este verano, pero estos son los únicos que me interesan. A ver cuántos se salvan de la quema.

A otro tema. Hace un tiempo estuve subiendo a este blog las páginas de Maníacos, un cómic que dibujé hace bastante tiempo y que, un día, decidí “remasterizar”. Lo escaneé, le puse un texto legible (no mi asquerosa letra), le arreglé los dibujos y lo limpié un poco.

La cuestión es que dejé de subirlo porque era un coñazo tanto para mí, como para el que lo leían.

He solucionado eso. Aquí os dejo un enlace para descargar con la versión definitiva de Maníacos, un cómic bastante cutre que, por suerte, es gratis.

DESCARGAR

Espero que os guste, aunque sólo sea para pasar un rato medio entretenido leyendo burradas.

Rojo oscuro

2011-06-16T13:30:00.001+02:00

La historia: Un pianista presencia un brutal asesinato, y desde ese momento se obsesiona con resolver el caso mientras el asesino sigue haciendo de las suyas.

Dirigida por el maestro del terror Darío Argento, Rojo oscuro es para mí una de las películas de terror/suspense más perfectas que he visto nunca. No perfecta técnicamente, ya que como es normal en este tipo de títulos de bajo presupuesto hay fallos, pero si es perfecta en su forma de llevar y desarrollar la historia, y de mantener al espectador pegado al asiento, ansioso por descubrir quién es el asesino.

Argento siempre me ha parecido un genio manejando la cámara y buscando planos extraños y recargados propios del giallo, pero en Rojo oscuro se lleva la palma en este sentido con unos primerísimos planos y unos travellings de infarto. Todo lo referente al trabajo de dirección que hizo Argento con esta película me parece más que sobresaliente.

Las escenas de los asesinatos están maravillosamente llevadas de una forma muy gráfica, sin contemplaciones. Además, Argento se sacó de la manga algunas muertes bastante originales, como una en la que están implicados un colgante y un ascensor. Es rebuscado a más no poder, pero geniales.

Otras secuencias, sin la necesidad de mostrar violencia, crean tensión e incluso puro mal rollo, como la aparición del muñequito ese con esmoquin, o el descubrimiento del cadáver emparedado.

Como siempre ocurre con este género, la película juega a engañar al espectador con pistas falsas y varios sospechosos, siendo finalmente el asesino quien menos te esperas, y concretamente en este caso, ni imaginé que se trataba de esa persona, y eso que el director nos enseña fugazmente su rostro al poco de empezar la película, pero como es lógico, nadie se percata de ello.

Existen dos versiones de la película; una de 100 minutos, y otra de 127. Yo he visto la de 127, y la recomiendo sin duda. No se hace en absoluto larga, ni tampoco le sobra nada, así que imagino que la versión de 100 minutos no va a aportar nada nuevo, todo lo contrario.

El otro cine español (7ª parte: Bosque de sombras)

2011-06-14T00:55:00.000+02:00

Koldo Serra es para mí, junto con Nacho Vigalondo, uno de los directores españoles más prometedores del panorama cinematográfico patrio actual. Lo que se suele llamar “un soplo de aire fresco”.

Este hombre ya sorprendió al público con su agobiante cortometraje El tren de la bruja, donde, sin enseñar prácticamente nada salvo a un hombre sentado y rodeado de la más absoluta oscuridad, consigue hacer que el espectador se inquiete y se pregunte qué está pasando. Uno de los mejores y más efectivos cortometrajes que he visto nunca. Lo recomiendo.

Después de ese debut no era de extrañar que Koldo Serra saltase a la gran pantalla con su primera película, Bosque de sombras, todo un homenaje al cine de supervivencia y suspense rural como La presa, Deliverance y, sobre todo, Perros de paja (y este es el mayor parecido que tiene con el cine de Peckimpah, aunque muchos se empeñan en compararla con Grupo Salvaje. No entiendo por qué… no se parecen ni en el blanco de los ojos, pero en fin). Pero también tiene un cierto tufillo al spaghetti western de Sergio Leone, y esto lo podemos comprobar al final de la película. Un guiño bastante evidente y descarado.

También veo que tiene ciertas similitudes con Furtivos, no argumentalmente, pero si en las maneras. Ambas son un crescendo de tensión que el espectador sabe que, de un momento a otro, va a estallar en violencia. Esto mismo es lo que le pasa a Perros de Paja, con la diferencia de que Bosque de Sombras y el clásico de Peckimpah comparten algo más que maneras.

El argumento cuenta la historia de dos matrimonios extranjeros que vienen al norte de España a pasar unos días de tranquilidad en una casa de campo. Un día, estando de caza, los dos hombres del cuarteto descubren una cabaña en la que hay una niña pequeña encadenada, con las manos deformes. Los hombres tratarán de liberarla, pero esto desembocará en un choque de culturas con pésimas consecuencias. Es lo que pasa cuando se enfrentan la razón y la superstición con escopetas de por medio, en resumen.

En el reparto destacan Gary Oldman, (genial este tio, como siempre) Lluis Homar, Alex AnguloAitana Sánchez Gijón y Paddy Considine, y teniendo en cuenta que Bosque de sombras es una ópera prima, ya puede darse Koldo Serra con un canto en los dientes ante semejante plantel de actorazos.

Como siempre pasa en la industria cinematográfica española, en cuanto alguien se sale de lo normal fracasa en taquilla, y eso es lo que le ocurrió a esta película. Un fracaso que, seguro, tuvo mucho más éxito fuera de nuestras fronteras, como le pasó a Los Cronocrímenes.

Yo desde aquí la recomiendo encarecidamente. Al que le guste el cine español sabrá apreciarla, y al que no también, puesto que Bosque de sombras no parece una película española.

Por cierto, y en la banda sonora tenemos al grandísimo Leonard Cohen. Tócate los huevos.

Némesis

2011-06-09T20:59:00.003+02:00

Mark Millar es uno de mis guionistas de cómic favoritos y, a mi parecer, uno de los mejores que hay ahora mismo en el panorama comiquero. Y no lo digo por su aportación al mundillo de Marvel (que me interesa más bien poco) sino por esos cómics que ha hecho por su cuenta, como Kick-Ass o Wanted. Ambos son un ejemplo de cómo este señor se pasa por el forro la delicadeza y los tópicos de las historietas de superhéroes, dándole a sus cómics un característico estilo soez, bestia y gore, aderezándolo todo con un humor negro de bastante mal gusto, pero que a mí, por supuesto, me encanta.

Hace un par de días tuve la oportunidad de leer Némesis, el último tebeo de Mark Millar, aún no editado en España (pero espero que no tarden).

Némesis plantea una idea curiosa; ¿qué pasaría si Batman fuese el Joker? En otras palabras, ¿qué pasaría si un multimillonario usara su dinero para hacer el mal en vez del bien? En este cómic nos lo deja muy claro, y para ello nos presenta a un súper villano apodado Némesis, un tío verdaderamente hijo de puta, inteligente y hábil. Alguien que da la impresión de ser implacable, y realmente lo es.

Se podría decir que el traje que lleva es una parodia del de Batman, así se nos deja claro que Némesis es lo opuesto al caballero oscuro. Batman hace el bien y va de negro; Némesis hace el mal y va de blanco, pero ambos tienen los mismos medios y las mismas limitaciones. Ningún poder, pero mucho dinero.

Con esta premisa, Millar nos ofrece una historia, como es habitual en él, muy violenta, repleta de humor políticamente incorrecto y salvajismo a raudales. Y es que el autor no se corta un pelo a la hora de poner situaciones escabrosas, como esa en la que Némesis empotra a una madre y su hijo contra un camión de gasolina, volando todo por los aires.

No puedo hacer otra cosa que recomendar este cómic a todo aquel que le guste el noveno arte. Una lectura tremendamente divertida y que engancha hasta el punto de no querer parar de leer hasta terminarlo.

Según he leído por ahí, Tony Scott (Amor a quemarropa) va a dirigir la adaptación al cine, y para protagonizarla suenan los nombres de Johnny Depp y Brad Pitt, aunque no hay nada confirmado.

Después de este gratísimo nuevo trabajo de Mark Millar, sólo me queda esperar a sus nuevas obras, como Kick-Ass 2, Supercroocks (que será adaptado al cine por Nacho Vigalondo), o la futura secuela de Némesis.

semáforo rojo

2011-06-07T17:02:00.000+02:00

Semáforo rojo es la película menos común de su director, Mario Bava. Mientras que la anterior filmografía de este hombre está plagada de historias de terror y fenómenos paranormales, Semáforo rojo es realista, sin monstruos ni fantasmas. En cambio, lo que tenemos es algo mucho peor que eso; personas hijas de puta, mucho más peligrosas que cualquier monstruo.

La historia trata sobre un grupo de crueles atracadores que huyen de la policía en un coche robado, tomando como rehenes a una mujer, un hombre y su hijo.

A partir de aquí la acción transcurrirá casi en su totalidad dentro del coche, en un caluroso día de verano, lo que hace que la película resulte bastante asfixiante y agobiante. Con sólo ver a esos tipos dentro del coche, empapados en sudor y apretujados, te dan ganas de darte una ducha fría para refrescarte un poco.

Los atracadores/secuestradores responden a los sobrenombres de Doctor, bisturí y treinta y tres, este último interpretado por George Eastman (que en realidad se llamaba Luigi Montefiori), al que luego veríamos, de forma irreconocible, en Gomia, terror en el Mar Egeo.

Esta pandilla de indeseables resulta especialmente odiosa por su falta de escrúpulos y crueldad, lo que hace que te pases toda la película deseando que mueran de la manera más jodida posible. El único que muestra un mínimo de compasión y humanidad es Doctor, pero aún así dista mucho de no ser un cabronazo.

Mario Bava, con poquísimo dinero, consigue hacer una película entretenida, violenta, tensa y agobiante, cuyo ritmo no decae en ningún momento y que te mantiene atento a la pantalla durante todo el metraje porque no sabes por dónde va a explotar.

La película se rodó en 1974, pero la productora cayó en bancarrota y todo el proyecto quedó cancelado cuando ya estaba prácticamente acabado. Todo el material referente a la película le fue quitado de las manos al director, incluyendo, evidentemente, el metraje rodado. Y así, durante años, la película estuvo cogiendo polvo en algún sótano, sin ser proyectada en cines.

En 1990 se consiguió terminarla bajo el título de Semáforo rojo, aunque originalmente se llamaba Rabid Dogs. De hecho, creo que en EEUU se llama así, pero no estoy seguro de esto.

La cuestión es que acabar la película se convirtió en una epopeya que duró años, y que el director murió sin poder verla acabada. Una pena porque, bajo mi punto de vista, es una de las mejores Series B italianas que he visto nunca.

Y por cierto, el final de la película es genial. Inesperado y cabrón a partes iguales.